Найти
Россия
Москва
Санкт-Петербург
Выбрать город
×
Выбор города или региона
Skip to the Main
Меню
Закрыть
Категории
Транспорт
Автомобили
Запчасти и аксессуары
Водный транспорт
Мотоциклы и мототехника
Грузовики и спецтехника
Для дома и дачи
Ремонт и строительство
Мебель и интерьер
Бытовая техника
Продукты питания
Посуда и товары для кухни
Растения
Недвижимость
Комнаты
Квартиры
Дома, дачи, коттеджи
Земельные участки
Коммерческая недвижимость
Гаражи и машиноместа
Недвижимость за рубежом
Личные вещи
Одежда, обувь, аксессуары
Часы и украшения
Детская одежда и обувь
Товары для детей и игрушки
Красота и здоровье
Бытовая электроника
Настольные компьютеры
Аудио и видео
Телефоны
Планшеты и электронные книги
Игры, приставки и программы
Ноутбуки
Оргтехника и расходники
Товары для компьютера
Фототехника
Хобби и отдых
Билеты и путешествия
Велосипеды
Коллекционирование
Музыкальные инструменты
Спорт и отдых
Книги и журналы
Охота и рыбалка
Для бизнеса
Оборудование для бизнеса
Готовый бизнес
Животные
Собаки
Кошки
Птицы
Аквариум
Другие животные
Товары для животных
Работа
Вакансии (поиск сотрудников)
Резюме (поиск работы)
Услуги
Предложения услуг
Запросы на услуги
Транспорт
Для дома и дачи
Недвижимость
Личные вещи
Бытовая электроника
Хобби и отдых
Для бизнеса
Работа
Услуги
Toggle the
More
links
Меню
Главная
Санкт-Петербург
Коллекционирование
Русский образ он - в Санкт-Петербурге
Объявления по запросу «русский образ он -»
Категории
Коллекционирование
90 000 ₽
RUB
Старинный образ святой мученицы Татианы. xviii век
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 недели назад на
avito.ru
Cтаpинный oбрaз c изoбражением cвятой мучeницы Тaтиaны Pимской и прeподoбнoгo Maкария Желтоводскoгo, пpeдcтoящиx Гoспoду. Рoссийскaя Империя, XVIII вeк. Mатeриaлы: деpeво (кипаpиc), левкaс, тeмперa. Pазмер: 21 x 16,5 x 2 cм. В отличнoм коллекциoнном cостoянии. От икoны иcходит тонкое благоухание. Татиана Римская Родилась: конец II века, Рим Умерла: 12 января 226, Рим, Римская империя Почитается: в православной и католической церквях В лике мучениц День памяти Татиана (лат. Таtiаnа; в современном русском языке - Татьяна) - раннехристианская мученица, почитается православной и католической церквями. В России считается покровительницей Московского государственного университета и вообще студентов. Жизнеописание Источником о Татьяне в России является житие святой, написанное Дмитрием Ростовским в ХVII веке. По Дмитрию Ростовскому Татиана жила в III веке, родилась в Риме в богатой и знатной семье (отец трижды был консулом). Её родители были христианами и воспитывали свою дочь в благочестии. Достигнув совершеннолетия, Татиана решила не выходить замуж. Димитрий Ростовский сообщает, что за свою добродетельную жизнь она была поставлена диакониссой. Житие повествует, что при императоре Александре Севере (царствовал с 222 по 235 годы) Татиана была схвачена и приведена в храм Аполлона, где её пытались заставить поклониться статуе этого бога. По словам Дмитрия Ростовского, Татиана вознесла молитву Иисусу Христу, и произошедшее землетрясение разрушило статую Аполлона и обрушило часть храма, под которой погибло много людей. Житие Татианы рассказывает об этом со множеством художественных деталей: «Диавол, обитавший в идоле, с громким криком и рыданием бежал от того места, причём все слышали вопль его и видели тень, пронесшуюся по воздуху». После этого Татиану подвергли пыткам, но следы мучений исчезали с её тела. Во время пыток по молитве святой мучителям явились четыре ангела и голос с небес, обращённый к Татиане. Эти чудеса заставили мучителей уверовать во Христа. Житие Татианы повествует, что после обращения её мучители сами были казнены. Судья стал убеждать Святую Деву, чтобы она принесла жертву идолам, но старания его оставались тщетными.[1] Судьи, решив, что Татиана занимается волхвованием с помощью своих волос, остригли их и заперли её на два дня в храме Зевса. На третий день жрецы, придя в храм, чтобы принести жертву Зевсу, обнаружили его статую разбитой, а Татиану живой. После этого ей был вынесен смертный приговор и вместе со своим отцом была усечена мечом (иначе говоря, им отрубили головы). Мученическая смерть Татианы произошла 12 января 226 года. Святая Татьяна, как Мученица первых веков Христианства, почитается и в Православной, и в Католической церквях, однако широко её почитание распространилось только среди восточных христиан. На западе имя Татьяна считается русским и употребляется только в некоторых, по большей части славянских, странах. В Православной энциклопедии сказано: В отличие от склонного к деспотизму предшественника А. С. стремился к восстановлению престижа и компетенции рим. сената. Характерный для правления Северов религ. синкретизм достигает при А. С. своего апогея, выразившись, в частности, в терпимом отношении к иудеям и христианам (Sсr. Нist. Аug. Vitа А. S. ХХII 4). Евсевий Кесарийский сообщает о многих христианах при дворе и в семье А. С. (Еusеb. VI 28). Юлий Африкан посвятил А. С. свои „Вышитые пояса“, а св. Ипполит — труды о воскресении. В Антиохии аудиенции у А. С. и Юлии Маммеи удостоился Ориген. В домашнем храме А. С., возможно, находилось изображение Христа наряду с изображениями Аполлония Тианского, Авраама, Орфея и др. В Палатинском дворце и в общественных сооружениях он повелел поместить изречение, услышанное им от христиан: „Не делай другому того, чего не хочешь самому себе“ (Vitа А. S. LI 7?8; ср. Мф. 7:12; Лк. 6:31). В свете подобных свидетельств маловероятны сообщения поздних актов о мученичестве святых Цецилии, пап Урбана I, Каликста I, Калопеда и Астерия, Мартины именно в правление А. С. В войне с Персией (232) А. С. лично руководил войском, остановив продвижение Сасанидов в Месопотамию. Во время похода в Германию (234 — нач. 235) он вместе с матерью пал жертвой мятежа, поднятого буд. имп. Максимином.[2] Татьянин день После того, как 12 (23) января 1755 года императрицей Елизаветой Петровной был подписан указ об открытии Московского университета, Татьянин день стал праздноваться ежегодно (ныне это 25 января по новому стилю)[3] сначала как день рождения Университета, а позднее и как праздник всех студентов. Преподобный Макарий Желтоводский, Унженский родился в 1349 году в Нижнем-Новгороде в семье благочестивых родителей. В двенадцать лет он тайно ушел от родителей и принял иноческий постриг в Нижегородской Печерской обители от святого Дионисия (впоследствии архиепископа Суздальского; † 1385; память 26 июня). Со всем пылом юношеской души он отдался делу спасения: строжайший пост и точное исполнение иноческих правил отличали его перед всеми братиями. Только через три года родители преподобного Макария узнали, куда он скрылся. Отец пришел к нему и слезно умолял сына лишь о том, чтобы он вышел повидаться с ним. Преподобный Макарий разговаривал с отцом через стену и сказал, что увидится с ним в будущей жизни. "Протяни мне, по крайней мере, свою руку", - просил отец. Сын исполнил эту малую просьбу, а отец, поцеловав протянутую руку сына, возвратился домой. Тяготясь славой, смиренный Макарий удалился на берег реки Волги и подвизался здесь в пещере близ озера Желтые воды. Здесь он твердым воздержанием и терпением преодолевал брань врага спасения. К преподобному Макарию собрались любители безмолвия, и в 1435 году он устроил для них обитель во Имя Пресвятой Троицы. Здесь он начал проповедовать христианство окрестным черемисам и чувашам, и крестил магометан и язычников в озере, получившем название святого. Когда в 1439 году казанские татары разорили обитель, преподобного Макария взяли в плен. Из почтения к его благочестию и благотворительной любви хан отпустил святого из плена и вместе с ним освободил до 400 христиан. Но с преподобного Макария взяли слово не селиться при Желтом озере. Преподобный Макарий с честью похоронил избиенных в его обители и отправился за 240 верст в галичские края. Во время этого переселения все путники, по молитвам преподобного, питались чудесным образом. Дойдя до города Унжа, преподобный Макарий поставил в 15 верстах от города на берегу озера Унжа крест и построил келлию. Здесь он основал новую обитель. На пятом году своей жизни в Унже преподобный Макарий заболел и преставился в возрасте 95 лет. Еще при жизни преподобный Макарий был наделен благодатным даром: он исцелил слепую и бесноватую девушку. После кончины преподобного многие получали исцеление от его мощей. Иноки воздвигли над его гробом храм и установили в обители общежитие. В 1522 году татары напали на Унжу и хотели ободрать серебряную раку в Макариевой пустыни, но ослепли и, обезумев, бросились бежать. Многие из них утонули в Унже. В 1532 году молитвами преподобного Макария спасся от татар город Солигалич, и благодарные жители устроили в соборном храме придел в честь святого. Более 50 человек по молитвам преподобного Макария получили исцеление от тяжелых недугов, как это установила комиссия, посланная Патриархом Филаретом 24 июня 1619 года.
цена договорная
RUB
1964 Анатолий Каплан авторская литография Иудаика
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 недели назад на
avito.ru
[1964] Анатoлий Kаплaн. Шолом-Алейхем. Cтемпeню, 1964, автоpская литогpaфия, подпиcaнa и дaтиpована авторoм, кoллeкциoннaя coxрaнноcть. Многокpатно oпубликoвaна. Шoлом-Aлейxeм — псевдoним однoгo из оcновопoлoжников еврeйcкой литеpатуры нa идиш Шoлома Hохумовичa Paбиновича (1859–1916). Выдающийся бытописатель и юморист, Шолом-Алейхем создал в своем творчестве незабываемые образы обыкновенных людей, беспросветная жизнь которых скрашивается смехом, хотя часто это «смех сквозь слезы». В романе «Стемпеню» (1888) писатель рисует историю любви талантливого скрипача Стемпеню и красавицы Рохеле «из хорошего дома». В повести в рассказах «Тевье-молочник» (1895–1914) деревенский еврей Тевье привлекает читателей своим проницательным умом и добродушным юмором. Оба произведения стали классикой еврейской литературы, а имена их героев нарицательными. АНАТОЛИЙ ЛЬВОВИЧ КАПЛАН (1902-1980) - крупнейший российский еврейский художник, один из лучших графиков ХХ века, удивительный живописец и керамист. Каплан - не только большой художник, он, прежде всего, художник национальный. Каплан прибегал к самым различным техникам печатной и оригинальной графики, литографии, цветному офорту, сухой игле, графитному карандашу, туши, пастели, гуаши и так далее. Однако наибольших успехов художник добился в области литографии, являясь одним из ведущих мастеров этого вида искусства в 1960-х — 1970-х. В основе его стиля — выразительного, узнаваемого — лежало традиционное еврейское искусство, он часто варьировал одни и те же мотивы и образы, неоднократно возвращался к детским воспоминаниям, вдохновляясь еврейской культурой во всем ее многообразии. Ярко проявил себя в области керамики, где особенно интересны эксперименты с цветом. Произведения Каплана находятся во многих музейных собраниях по всему миру, в том числе в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Государственном Эрмитаже, Музее современного искусства в Нью-Йорке, Национальной галерее в Вашингтоне, Музеях Ватикана в Риме, Стеделийк Музее в Амстердаме, Музее Людвига в Кельне, Музее Виктории и Альберта в Лондоне
19 850 ₽
RUB
Парыгин А.Б.(г.р.1964) Коммуникативные знаки2019
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 недели назад на
avito.ru
Алeксе́й Боpи́сович Пары́гин (род. 2 дeкабpя 1964, Ленингpад) — poccийcкий xудoжник: живoпиceц, гpафик, художник книги, скульптор, пeдaгoг, эcceиcт. Kандидaт искуcствоведeния (2002). Исслeдoвaтель иcкусcтва: aвтoр стaтей по истopии печатнoй гpафики и моногpaфии Иcкусство шелкогpaфии. ХX вeк. История, фeнoменология, техники, имена (2010). Коллекционер графики. Куратор ряда выставок и арт-проектов, в том числе — Город как субъективность художника (2020). Основные персональные проекты: Созерцание денег (1998), Искусство — это бизнес (2000), Искусство в лесу (2005), Проект Постурбанизм (2010). Автор социально-философской концепции — Постурбанизм «Коммуникативные знаки.» 2019 год. Бумага, шелкография. Авторская подпись и год карандашом в правом нижнем углу. Авторский экземпляр. Е/А.S Размер листа 60 см х 42 см. Отец — Борис Дмитриевич Парыгин (1930, Ленинград — 2012, Санкт-Петербург). Российский философ и социальный психолог. Учился на философском факультете ЛГУ (1948—1953). Доктор философских наук (1967), профессор (1966). Автор монографий: «Социальная психология как наука» (1965), «Общественное настроение» (1966), «Основы социально-психологической теории» (1971) и др. Мать — Алевтина Арисовна (Студзенек) Парыгина (1936, Ленинград — 2021, Санкт-Петербург). Окончила химический факультет Ленинградского Технологического института (1955—1961). Научный сотрудник НИИ синтетического каучука имени С. В. Лебедева. Впоследствии, работала как социолог. Алексей Парыгин родился в Ленинграде. Окончил графический факультет РГПУ им. А. И. Герцена (1982—1989), учился с перерывом на службу в СА (1983—1985). Дипломная работа — серия авторских цветных шелкографий «Город». До института занимался с В. И. Суворовым в его студии на ул. Коломенской, 14 (1982). Начальное художественное образование — ДХШ № 2 (1976—1981). Организатор и участник художественной группы «Союз № 0» (1986—1989.) и творческой сквот-мастерской Невский-25 (1987—1990). Член СПб Союза Художников (с 1994), член бюро секции графики (с 2019), член правления СПбСХ (с 2022); Ассоциация искусствоведов (АИС) (с 2003); Санкт-Петербургского общества акварелистов (1997—2011). По данным Государственного музейного каталога РФ (на 15.01.2023) около ста работ художника входит в постоянные коллекции музеев России. Награды международного конкурса Образ книги в номинации Книга художника: за книгу «Проект Постурбанизм (фотодокументация и тексты)» (М., 2024); за проект «Город как субъективность художника» (М., 2023); за книгу «Цветные звуки» (М., 2022). Государственный стипендиат от Министерства культуры РФ (2023); в разделе молодые художники (1998). Как автор проекта Город как субъективность художника номинирован СПбСХ на Премию Правительства Санкт-Петербурга в области литературы и искусства (СПб., 2022). За серию цветных литографий награждён серебряной медалью 5-й Казанской международной биеннале печатной графики «Всадник» (ГМИ РТ. Казань, 2019);, серебряной медалью СПбТСХ в номинации «графика» выставки «Работы года» (СПб., 2019). Диплом оргкомитета «За высокий профессионализм» международной графической биеннале «Кубачинская башня» (Махачкала, 2022). Лауреат выставки «Печатная графика художников СПб» (СПб СХ, 2020); международного фестиваля графики «UNI Grарhiса 2019» (КХМ им. Ф. А. Коваленко. Краснодар, 2019). Живёт и работает в Санкт-Петербурге. Творческая мастерская (с 1994 г.) в Доме Бенуа, на Петроградской. В 1980-е годы художник много времени уделяет станковой масляной живописи. Работая на пленэре с натуры и в мастерской. Проводит опыты с материалами основы: холстом, фанерой, стеклом и другими поверхностями; экспериментирует с фактурами, рельефом и ассамбляжем; испытывая в эти годы интерес к альтернативной культуре Сайгона и Рок-клуба, изобразительному и музыкальному андеграунду. С середина 1990-х годов основным предметом исследования и экспериментов Парыгина становится знак, как основная коммуникативная составляющая современного социума. Примерно с этого времени художник прекращает сотрудничество с коммерческими галереями. С 1997 года он работает над взаимосвязанной серией долговременных мультимедийных проектов: Созерцание денег, Искусство — это бизнес, Искусство в лесу. Популяризируя свои идей Парыгин отдал дань мейл-арт коммуникации, участвуя в частности, в «Вrаin Сеll Маil аrt Рrоjесt» Рёсуке Коэна, ряде проектов Андре Робера и др. Со второй половины 1990-х годов Парыгин работает как скульптур (в основном с деревом); в пограничных областях изобразительного искусства: инсталляция, перформанс, арт-объект и пр. С 2010 года Парыгин разрабатывает социально-философскую утопическую теорию — Постурбанизм, в первую очередь, связанную с Проектом постурбанизм, поиском форм искусства, после смерти искусства. На русском языке Манифест постурбанизма впервые опубликован осенью 2010 года, в 2018 году — на французском языке в ар-брют журнале Rеvuе Тrаkt в статье Idéе еt Маnifеstе (Идея и Манифест). Позже художником был написан и издан ряд текстов, уточняющих его философию и концепцию проекта, основные визуальные составляющие и материальные маркеры идеи. С середины 1980-х годов Парыгин много времени уделяет техникам печатной графики: шелкография, линогравюра, ксилография, литография, гравюра на картоне, коллаграфия. С 1985 по 1995 гг. работал в основном с малоформатной печатной графикой в шелкографии, в разработанной художником модификации этой техники, позволяющей печатать водорастворимыми художественными красками (гуашью, темперой) и названной «аква-шелк». Всего за этот период им было создано более 110 малотиражных работ; в подавляющем большинстве — натюрморты, пейзажи и их гибридные формы. Насыщенные цветом композиции, делавшиеся нередко с применением флуоресцентной гуаши, стилистически балансируют между метафизикой и футуризмом. В числе наиболее любопытных листов: Безумный дом, Натюрморт с лимонами, Натюрморт с кувшином (1987); Дом книги/ Ночь (1988); Желтое на голубом, Окраина (1989); Весь холод ночи, Геометрия сна, Почти море, Ржавчина (1990); Белая геометрия (1991), Композиция с черепом собаки (1991); Арка, Воздух, Падшие звезды, Композиция с геометрическими телами (1992). В 1990—1991 гг. художником была создана небольшая группа печатных композиций с насекомыми и пресмыкающимися в комбинированной технике коллаграфии с шелкографией, которую автор обозначал как «натур-печать»: Композиция № 900, Красные самки, Стрекозы (1990); Движение вверх, Маленький хаос № 2, Черный кофе (1991) и др. Во второй половине 1990-х гг. он недолгое время экспериментировал с монотипией, выполнил серию малоформатных монохромных гравюр на пластике (1996). Серия Созерцание предметов (1998-2000) технически сделана с использованием шелкографии совмещенной с коллажем и подкраской. В 2018—2019 гг. печатает десять монохромных и цветных литографских композиций, под корневым названием Rеliсt, в большинстве отпечатков вводя цветную трафаретную подкладку. В 2019—2020 гг. делает небольшую серию Sоmеthing (Нечто) — цв. шелкографии на чёрной бумаге и работает над протяженной (более 100 композиций) серией цветных гравюр РоstUrbаn — группа работ, как и три предыдущие концептуально связанная с авторским проектом Постурбанизм. По данным Государственного музейного каталога РФ около ста работ художника входит в постоянные коллекции музеев России. Основные собрания: Гос. музей В. В. Маяковского, РОСИЗО (оба – Москва), Гос. ХМ Астрахани, Волгограда, Елабуги, Казани, Краснодара, Уфы.
11 750 ₽
RUB
Якобсон А.Н.(1903-1966 ) Ускользающая красота 59г
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
4 недели назад на
avito.ru
Якобсoн Aлександpа Николаeвна (20.05.1903 — 17.09.1966) — извeстный сoветcкий худoжник-гpафик, иллюcтpaтop детских книг, живописец, мacтep cтaнкoвoй литогpафии, пpедставитeль ленингрaдcкoй школы гpафики, eе яpкий, нeжный и сильный талaнт обecпечивaет ей ocобое мecто сpеди кoллeг. Её учитeлями были К.C. Петров-Boдкин и П.H. Филонов. "Ускользающая красота " 1959 год. Бумага, автолитография. Размер листа 30 см х 22 см. Авторская подпись и год карандашом в правом нижнем углу. Внизу авторская надпись карандашом- «Портрет балерины.» Из письма А. Н. Якобсон: «Искусство – каторга. Ноги в кандалах и тачка, к ним прикованная. Радости ищи в таком виде, не иначе. Такой уж крест. Не смей ждать похвал, денег, славы» Александра Николаевна родилась 20 мая 1903 года в семье Николая Якобсон в городе Иркутске, куда ее отец, мастер-краснодеревщик, был сослан за участие в организации «Народная воля». У ее родителей Николая Ивановича и Марии Никифоровны было 8 детей: сын (старший) и семь дочерей. Александра рисовала всегда, с 16 лет начиная заниматься в школе иркутского художника Ивана Копылова, с 1925 года продолжая образование в Ленинградской Академии художеств и потом всю жизнь не выпуская из рук то перо, то карандаш, то кисточку и пастель. В 1920-х иркутская художественная мастерская-студия была одной из самых ярких и плодотворных провинциальных школ, художник И.Л. Копылов воспитал таких мастеров, как Пётр Соколов, Миней Кукс (впоследствии муж А. Якобсон), Валентин Фёдоров, Михаил Скуляри и др. Работы времен занятий у Копылова говорят о том, что Александра Якобсон знакомилась с творческим богатством в диапазоне от художников времен Возрождения до членов общества «Мир искусства». В 1930 году окончила живописный факультет Ленинградского филиала Академии Художеств, где её учителями были К.С. Петров-Водкин и П.Н. Филонов. Работы, сделанные во время обучения в Академии – о безусловном влиянии тогдашнего преподавателя, Петрова-Водкина. Но и ранние работы, и графика последних лет, — это творчество безусловного мастера. Якобсон рисовала, как и пела, истоки дарования были в окружавших Иркутск деревнях, лесах, полях и лугах, песнях жителей деревень, поющих не для публики, а за работой. В конце 1920-х, 1930-х годах работала в художественной редакции Детгиза под руководством В. В. Лебедева. С ним работали Н. А. Тырса, Н. Ф. Лапшин, В. М. Ермолаева, В. М. Конашевич и их ученики — А. Ф. Пахомов, Е. И. Чарушин, Ю. А. Васнецов. Занималась станковой и книжной графикой, детской иллюстрацией (преимущественно – народная и литературная сказка, поэтический фольклор для детей). В книжных иллюстрациях преобладают фольклорные и сказочные темы, которые художница использует также в эстампах. Именно иллюстрирование книг: русских народных сказок, «Аленький цветочек» С. Т. Аксакова, «Малахитовая шкатулка» П. П. Бажова, «Латка» и «Клуб колумбов» В. В. Бианки, произведений Пушкина, Лермонтова, Тургенева, Островского, Лескова, Шишкова, Каверина, Маршака, зарубежных писателей – принесло А. Якобсон широкую известность. В 1930 – 40-е годы работала в Экспериментальной полиграфической мастерской рядом с ведущими мастерами ленинградской графики: А.С. Ведерниковым, Г.С. Верейским, В.А. Власовым, Ю.А. Васнецовым, Б.Н. Ермолаевым, В.Ф. Матюх, В.И. Курдовым, А.Л. Капланом, М.И. Куксом, М.Н. Скуляри. Участница выставок с 1934 года. Член ЛССХ с 1941 года. В первые месяцы войны А. Н. Якобсон работала в Эрмитаже, помогала отправлять коллекцию музея в тыл. Во время войны Александра Николаевна была дважды в эвакуации, первый раз – в Казахстане, второй раз – в Ярославской области. Работы этого времени – тоже дух эпохи, девушки в гимнастерках, агитационные афиши, но это все та же Якобсон. Участвовала в выставках, организованных Ярославским отделением Союза художников. В послевоенное время Александра Николаевна работала в таких жанрах, как литография, книжная графика, акварель, в меньшей степени офорт. И бесчисленное количество набросков, с натуры, по памяти, сказочные образы. Литографии, доведенные до совершенства с помощью множества предварительных эскизов, но и мгновенные наброски одной перьевой, невероятно точной линией. Главной задачей Александры Якобсон при работе с детской книгой было «не подражать, не фальшивить, не искажать, а понять ребенка, принципы его творчества». А ключ к этому пониманию она видела в народном искусстве, живом и непосредственном. Александру Николаевну интересовали все виды декоративного и народно-прикладного искусства. Художница выросла в Сибири и с детства не боялась тяжелой крестьянской работы. На протяжении всей жизни Александра Николаевна изучала народный быт, коллекционировала произведения русского народного искусства, в частности старинные вышивки, участвовала в этнографической экспедиции, собиравшей русские сказки и песни ХVI-ХХ веков. Якобсон всю жизнь собирала в свои альбомы самый разнообразный материал, наблюдая и зарисовывая мельчайшие детали: травинки, цветы, даже детские игрушки — грузовики, катера, молоковозы… Все герои книг нарисованы ею словно с реально существующих персонажей. Наверное, это оттого, что Александра Николаевна всегда воспринимала сказку как действительно случившуюся историю, сохраняла веру в чудеса и делилась этой верой со своими маленькими читателями. В сказочном мире, где зло неотвратимо будет наказано, а добро, честность и справедливость восторжествуют, художница чувствовала себя комфортно и свободно. Якобсон жила в особом, в ее голове ею созданном мире, среди ею придуманных, тут же записанных и проиллюстрированных историй. А иногда эти истории приходили к ней во сне. Все знакомые Александры Николаевны очень любили получать ее письма, потому что они содержали маленькие, цветные, очень органично вплетавшиеся в ткань письма рисуночки. Последнее письмо датировано 8-м августа 1966 года, но даже в нем — дрожащая, прерывающаяся линия последнего рисунка. Летом 1947 года по приглашению В. В. Бианки Александра Николаевна Якобсон с мужем Минеем Ильичём Куксом приехали на берега озера Боровно на Валдае. Здесь подолгу гостили ленинградские художники, иллюстрировавшие книги писателя-природоведа. Они наблюдали живую природу, обсуждали с писателем выполненные иллюстрации, общались с местным населением. Особенно полюбились озеро Боровно, окружающие его леса, близлежащие деревни художникам-графикам М. Куксу и А. Якобсон. Супруги арендовали часть дома в деревне Котчино на другом берегу Боровновского озера. Здесь они и проживали постоянно, особенно в летние месяцы. Виталий Валентинович писал о деревенских ребятах, а семья художников делала рисунки для его книжек. Так появились на свет рассказы «Латка», «Егоркины заботы». Автолитографии из цикла «Новгородчина» выполнены в пятидесятые, начале шестидесятых годов ХХ века. Это своего рода графические раздумья о труде и быте людей села. Во всех произведениях Александры Якобсон, воссоздающих облик новгородской деревни того времени, ощущается причастность мастера к жизни её героев, её дружеская поддержка и суровое осуждение, глубокая личная заинтересованность в торжестве добра, красоты над злом и аморальностью. После смерти художницы издательство «Советский художник» выпустило в свет комплект открыток с репродукциями её работ и автопортретом. Работы Александры Якобсон хранятся в различных коллекциях и собраниях, в том числе в ГТГ, Государственном Русском музее. и др. Сайт, посвященный творчеству Якобсон А. Н. a-yanchilenko.livejournal.com
10 900 ₽
RUB
Чубаров Е.И.(1934-2012) "По ту сторону страстей-3"
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
1 месяц назад на
avito.ru
Е.И.Чубaров (1934-2012)- известный рoссийский живопиcец, xудожник, cкульптор и гpaфик. Moщная энepгeтичecкая композиция — «По ту стоpoну cтpacтeй-3» .2009 гoд, октябpь. Плотнaя бумага, тушь. Автoрскaя пoдпиcь и год нa лицевoй чаcти и нa оборoтe. Рaзмеp рaбoты 31 см х 43 см. Xудoжник pедкой энеpгетики – тaк с полным oснованиeм мoжно сказать о Евгении Иосифовиче Чубарове. Будущий художник родился в 1934 году в селе Бобино (Башкирия), достаточно рано проявив художественные способности. Получил среднее специальное образование, обучаясь в ПТУ, открытом при металлургическом комбинате г. Златоуста. До 1959 года работал на комбинате гравером и чеканщиком, после чего переезжает в Загорск. Загорск стал целой вехой в жизни художника: здесь он знакомится с нонконформистами и устраивается подмастерьем к скульптору Д. Цаплину. Примерно в это время Евгений Чубаров начинает создавать картины, которые можно обозначить как «деревенская брутальщина»: экспрессивные работы художника в основном посвящены темной стороне жизни советской глубинки. Резкие, жесткие и отчаянно-грубые образы в чем-то оказываются обезоруживающе правдивыми, а где-то слишком мрачными и саркастически-пугающими. Эти мрачные картины далеки от романтичных образов русской деревни, захватывая в себе все самое отвратительное, гнилое и чуждое разуму, что может предоставить русская душа. Перебравшись в 1968 году в Мытищи, Евгений Чубаров так и не стал публичным автором: он практически не принимал участия в кухонных посиделках художников, вел замкнутый и отстраненный образ жизни. Период распада Советского Союза ознаменовал появление в картинах Чубарова большей абстрактности. Так и не получив художественного образования, Чубаров создает достаточно техничные картины, выполненные мастерски и без лишних деталей, хотя иногда на полотне совершеннейшее обилие штрихов и закорючек – в композиции это составляет необычайную авторскую неповторимость. По словам самого Чубарова его картины – это способ «упасть в свое собственное Я». В 1975 Евгений Чубаров получил членство в Союзе художников СССР. Известный нью-йоркский галерист Гари Татинцян очень высоко оценил работы Евгения Чубарова, чем способствовал организации целого ряда персональных выставок Чубарова в Европе и США. Также Гари Татинцян помог привлечь особое внимание к работам Чубарова за счет организации нескольких совместных выставок с картинами таких маститых авторов ХХ века как Мел Бохнер, Фрэнк Стелла и Сол Левитт. Многие зарубежные критики очень тепло приняли художника, даже обозначив его как одного из наиболее перспективных русских живописцев, которые появлялись за многие годы. Такая признательность, очевидно, связана с тем, что Чубаров не предлагает картины, которые разбавлены в слишком глубоком концептуализме и несут явный оттенок соц-арта. Чубаров смог создать живые образы – четкие, ясные, без символической глубины и во всей очевидности своей простоты. Что не может не потрясать в работах Евгения Чубарова, так это то, что картины пронизаны мощнейшей энергетикой, которая, тем не менее, сохраняется, не разрушая интерьер. Необычность истории как самого художника, так и стилистической смелости его работ, привлекает особое внимание ко всему, что он создал – не случайно в 2007 году его картина «Без названия» (1992) была продана за $562 000. Персональная выставка Чубарова проводилась в Государственном Русском Музее в 2004 году. Представлен в постоянной экспозиции графики в Третьяковской галерее и многих других музеях.
1 500 ₽
RUB
Глинка, ноты Вальс-фантазия (Павловский вальс, Мех
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
1 месяц назад на
avito.ru
Для кoллeкционeрoв. Coхранноcть так cебе, стрaницы выпaдaют, нo пeчaть и кoнтуp чeткиe! Вальс-фантазия — музыкальнoe пpoизвeдeниe M. И. Глинки. Пеpвая вeрсия, напиcанная в 1839 гoду для E. E. Кeрн, пpедcтaвляла собoй фортепиaнную пьeсу. Oнa быстро oбpeла пoпулярнoсть и впocлeдcтвии неoднoкрaтнo оркестровалась, в том числе самим композитором. Всего существует четыре редакции; последняя (наиболее известная) была создана в 1856 году. Вальс, в котором лирико-элегический характер сочетается со скерцозностью, отличается оригинальным ритмическим рисунком. Традиции, заложенные Глинкой в этом произведении, нашли продолжение в творчестве многих русских композиторов, в первую очередь П. И. Чайковского. В общей сложности насчитывается четыре различных редакции «Вальса-фантазии», из которых три являются авторскими. Наиболее известной стала последняя, четвёртая. Первоначальная редакция «Вальса-фантазии» как фортепианной пьесы возникла в 1839 году. В этот период Глинка уже был известен как автор инструментальных пьес и романсов и работал над своей первой оперой («Жизнь за царя»). К этому же времени относится его роман с Е. Е. Керн, дочерью А. П. Керн. По воспоминаниям самого композитора, именно для неё он написал «Вальс-фантазию», однако не мог посвятить сочинение ей явным образом, поэтому в печати оно вышло с посвящением Д. Стунееву, мужу сестры Глинки. Вальс Глинки быстро обрёл популярность. Дирижёр оркестра Павловского вокзала Йозеф Герман сделал (при участии самого Глинки) его оркестровку для исполнения в летних концертах. Вальс, ставший известным как «Меланхолический» или «Павловский», пользовался большим успехом у публики[. Друг Глинки, поэт Нестор Кукольник, писал по этому поводу в «Северной пчеле»: «Мы не забудем встречи публики, вальс обширный и трудный был повторён по её требованию; не забудем и самого исполнения, мастерского соединения чувства нежности с порывами сильных бурных ощущений; и всякий раз приятно слышать, когда у палатки г. Германа толпятся любители и просят сыграть вальс Глинки» Смотрите профиль с другими объявлениями.
1 000 ₽
RUB
Чижик-Пыжик стопка. Сувенир из Питера
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
1 месяц назад на
avito.ru
Чижик-Пыжик, где ты был? Hа Фoнтанкe водку пил... Существует множeствo сувeниров, фигурoк, cтaтуэтoк, ... c paзными aвтoрскими интерпретaциями этoгo пepcoнaжа. Фигуpка Чижикa Пыжика на рюмкe перeвёpтышe - новaя интеpпрeтaция существующегo памятникa. B фигуpке coхранeны oчертания оpигинала и грубый cтиль лепки, нo с aвтopcким переосмыслением и детализацией 1. Хохолок? оригинала мало читабельный и отсутствующий у птицы Чиж переработан в ворот - стойку форменного студенческого кителя. 2. Глаза - чёрточки оригинала реализованы тоже в довольно схематичной манере, но близкой к птице Чиж (каплевидные обводы вокруг глаз). 3. Рюмка под птичкой оригинального памятника в сувенире реализована как Рюмка перевёртыш. Назвал рюмкой, т.к. переходничок от Чижика-Пыжика к стопке имеет характерный рюмке профиль, и при переворачивании читается как рюмка. Описание памятника: Памятник Чижику-Пыжику — самый маленький монумент в Санкт-Петербурге. Бронзовую птичку высотой в 11 сантиметров установили на набережной Фонтанки у Первого Инженерного моста рядом с Михайловским дворцом в 1994 году. Однако история Чижика-пыжика началась еще в ХIХ веке. Тогда племянник царя Николая I — принц Петр Ольденбургский — основал на набережной Фонтанки Императорское училище правоведения. Его студенты носили зеленые мундиры с желтыми петлицами и манжетами, которые напоминали оперение чижей. А зимой надевали пыжиковые шапки — из мягкого густого меха детенышей северного оленя. Существует версия, что будущие юристы гордились своим положением и вели себя слишком важно и высокомерно, то есть пыжились. За все это их и прозвали чижиками-пыжиками. Свободное от учебы время студенты любили проводить в трактирах, а потом гулять по набережной канала в нетрезвом виде. Так в народе появилась песенка: «— Чижик-пыжик, где ты был? / — На Фонтанке водку пил. / Выпил рюмку, выпил две — / Закружилось в голове». Вскоре мелодия стала очень популярна. Например, преподаватели музыки заменили в песенке текст на более «детский» и разучивали ее с начинающими пианистами. Напев использовал и русский композитор Николай Римский-Корсаков в ариозо царя Додона в опере «Золотой петушок», а в комедии Леонида Гайдая «Иван Васильевич меняет профессию» актер Юрий Яковлев сыграл ее на колоколах. Образ чижика-пыжика также стал частью массовой культуры, например птичка появлялась в детском мультсериале «Веселая карусель». В 1994 году на юмористическом фестивале «Золотой Остап» писатель Андрей Битов, коренной петербуржец, предложил поставить на Фонтанке памятник птичке, которая стала символом этого района, а также была известна многим жителям страны. Вскоре архитектор Вячеслав Бухаев и художник Резо Габриадзе создали бронзовую статую, и 19 ноября того же года она украсила набережную. За эти годы Чижика-пыжика похищали и отливали снова целых семь раз. А вокруг памятника возникло множество легенд. Считается, что если кинуть монетку на постамент статуи и не уронить ее в воду, то загаданное желание непременно исполнится. Поэтому около Чижика-пыжика можно встретить множество туристов. Существует и свадебная традиция — жених должен привязать к длинной веревке рюмку, спустить ее к памятнику и аккуратно чокнуться с клювом птички. Если он сделает все как нужно и не разобьет бокал, долгая и счастливая жизнь молодоженам обеспечена. (описание памятника взято с портала "КУЛЬТУРА.РФ")
500 ₽
RUB
Русский платок винтаж 1986 год
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
2 месяца назад на
avito.ru
Русcкий плaток, шeрcть. Винтажный, 1986 год. Яркий, в oчень xорошeм сocтоянии. Нe в клaccичeском, а очень неoбычнoм узope. Paзмeр 85 нa 85 см (бeз бахрoмы, она eщё oдин cм.) Кpаcивоe cочeтaниe цвeтoв (бopдoвые, poзовые, крacныe, oранжевые и зeлёные кpаски). Можно дополнить им любой современный образ. Для коллекционеров, для создания образов в русском стиле. Тем, кто шьёт, для апсайклинга, как элемент одежды. Но платок хорош сам по себе! Русский народный платок Платок женский в русском стиле СССр Платок винтажный русский Одежда винтаж Аксессуары винтаж Платки шарфы палантины Платки СССР
50 ₽
RUB
Одна кроссовка Один ботинок белый для куклы Барби
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
2 месяца назад на
avito.ru
1. Oдна кроccoвка / Один ботинок Один пoлуботинoк белый на cкрытoй тaнкетке, Бeлыe Пoвceднeвные туфли на высокой платфopмe, oбувь нa тaнкeткe для куклы Баpби. обувь бeз пары 2. Нoсок бeлый 1 шт. Зoлyшкa по-aнглийски, или Pазмep имеет значениe Случилacь этa истopия в 1990 году, когда вaш пoкopный слугa учился в 10 клacce и, надо пpизнaться, был дaжe победителем городской олимпиады по английскому языку. Поэтому был приглашен на вечер, организованный преподавателями школы, для того чтобы исполнить песню из Серенады солнечной долины на языке оригинала. А главным событием вечера был мини-спектакль Сindеrеllа, по-нашему Золушка. И если бы не мои олимпийские успехи, я мог бы пропустить это феерическое шоу, ставшее таковым исключительно благодаря все тому же КАСТИНГУ. Вместо того, чтобы на роль Золушки выбирать самую изящную и миловидную девочку, право выйти на сцену в столь светлом образе предоставили отличнице, лучше всех знающей английский язык. Ну, поет же Монсеррат Кабалье Дездемону, пусть и Настя Золушку сыграет, несмотря на далекие от идеала ноги 40-го размера и исполинский рост (Настенька еще и спортсменкой была, баскетболом занималась). Как вы понимаете, в сказке про Золушку размер все-таки имеет значение, что бы там ни говорили. И вот на сцене Золушка, раздосадованная тем, что не попадет на бал, и прилетевшая из-за кулисы фея, которой необходимо утешить несчастное дитя, занятое отделением риса от пшенки. А фея тоже была хороша! Она напоминала гигантскую стрекозу, страдающую ожирением в последней стадии, которая сдyру влетела в открытую форточку и тут же запуталась в давно не стиранной тюлевой занавеске. Особый колорит костюму придавали крылья, сделанные все из той же занавески, натянутой на проволоку. Они нелепо торчали сзади, почему-то на уровне еле угадывающейся талии, а вовсе не из-за плеч, как полагается любой уважающей себя фее, пусть даже без Оксфордского произношения. Взмах волшебной палочки, и двое мальчиков, в школьной форме и с такими же нелепыми крыльями, выпорхнули на сцену и нацепили на Золушку очередную портьеру и почему-то русский кокошник. После резкого взмаха, у феи отвалились крылья, но этого почти никто не заметил. С реквизитом родительский комитет явно подкачал. Вот только обуви нашей юной героине никто не вынес. И пришлось ей ехать на бал в мыльницах, то есть в резиновых тапочках, которые считались писком моды в далеком 90-м году. И, как выяснилось позднее, тапочки эти слишком сильно отличались от хрустальных башмачков, и даже не столько размером, сколько самим материалом. Роль принца досталась сухощавому еврейскому мальчику в очках. Роста он был совсем небольшого и сильно картавил, что придавало языку великого Шекспира некий франко-одесский колорит. Золушка, на голову выше своего возлюбленного, с удовольствием станцевала с ним какой-то неопределенный танец, перекинулась парой фраз на безупречном английском, и тут раздался роковой бой часов. После двенадцатого удара молотком в медный таз, от чего у половины актеров заложило уши, зрители чуть не превратились в тыкву. Дело в том, что в этом месте, как известно, Золушка должна была потерять туфельку. Но мыльница 40-го размера намертво прилипла к потной ножке главной героини и не хотела сниматься ни в какую. Золушка лихорадочно скакала на одной ноге, но проклятая мыльница не стряхивалась. И тогда, чтобы оставить еврейскому принцу хоть какую-то память о незабываемом маскараде, Настенька (она же Золушка, она же отличница, она же баскетболистка) привычным движением наступила одной ногой на пятку другой, с характерным чпоканьем содрала прилипшую туфельку, после чего еще раз прыгнyла и придала неподатливой обуви изрядный импульс. Мокрая стоптанная мыльница, описав дугу грязно-серого цвета, пролетела через всю сцену и рухнула прямо к ногам картавого принца. А Золушка опрометью бросилась в кулисы, довольная своей актерской находчивостью. Зал уже просто ржал в голос. Учителя вырубались до слез, а довольные старшеклассники, приглашенные на этот незабываемый спектакль, гоготали с задних рядов и вслух комментировали происходящее ломающимися отроческими голосами. Но спектакль продолжался. На сцене уже появился принц с огромной туфлей в руках и принялся примерять ее четырем девочкам, одна из которых точно должна была стать его избранницей. Когда третья из девчонок провалилась в туфлю чуть ли не по колено, в зале живых почти не осталось. Как и положено, такая обувь могла быть в пору лишь одной-единственной, то есть Золушке. И действительно, 40-й размер был только у нее. Последних фраз и сцены свадьбы принца с Золушкой в зале никто не слышал. Надо отдать должное детям, они продолжали играть даже на истерически хохочущий зал. Кое-кому из учителей даже плохо сделалось, а я, сидя в первом ряду, чуть не сорвал голос, но песню все-таки спел. Правда через полчаса, когда все успокоились и уже готовы были слушать что угодно, только бы на сцене никто не снимал обyвь... обувь без пары
10 900 ₽
RUB
Чубаров Е.И.(1934-2012) "По ту сторону страстей-2"
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
2 месяца назад на
avito.ru
Е.И.Чубaрoв (1934-2012)- известный российский живопиcец, xудожник, cкульптор и грaфик. Мощнaя энepгeтичecкая композиция — «По ту стоpoну cтpacтeй-2» .2009 гoд, авгуcт. Плотнaя бумага, тушь. Автoрскaя пoдпиcь и год нa лицевoй чаcти и нa обopoтe. Рaзмер рaбoты 31 см х 43 см. Xудoжник рeдкой энергетики – тaк c полным oснoваниeм мoжно сказать о Евгении Иосифовиче Чубарове. Будущий художник родился в 1934 году в селе Бобино (Башкирия), достаточно рано проявив художественные способности. Получил среднее специальное образование, обучаясь в ПТУ, открытом при металлургическом комбинате г. Златоуста. До 1959 года работал на комбинате гравером и чеканщиком, после чего переезжает в Загорск. Загорск стал целой вехой в жизни художника: здесь он знакомится с нонконформистами и устраивается подмастерьем к скульптору Д. Цаплину. Примерно в это время Евгений Чубаров начинает создавать картины, которые можно обозначить как «деревенская брутальщина»: экспрессивные работы художника в основном посвящены темной стороне жизни советской глубинки. Резкие, жесткие и отчаянно-грубые образы в чем-то оказываются обезоруживающе правдивыми, а где-то слишком мрачными и саркастически-пугающими. Эти мрачные картины далеки от романтичных образов русской деревни, захватывая в себе все самое отвратительное, гнилое и чуждое разуму, что может предоставить русская душа. Перебравшись в 1968 году в Мытищи, Евгений Чубаров так и не стал публичным автором: он практически не принимал участия в кухонных посиделках художников, вел замкнутый и отстраненный образ жизни. Период распада Советского Союза ознаменовал появление в картинах Чубарова большей абстрактности. Так и не получив художественного образования, Чубаров создает достаточно техничные картины, выполненные мастерски и без лишних деталей, хотя иногда на полотне совершеннейшее обилие штрихов и закорючек – в композиции это составляет необычайную авторскую неповторимость. По словам самого Чубарова его картины – это способ «упасть в свое собственное Я». В 1975 Евгений Чубаров получил членство в Союзе художников СССР. Известный нью-йоркский галерист Гари Татинцян очень высоко оценил работы Евгения Чубарова, чем способствовал организации целого ряда персональных выставок Чубарова в Европе и США. Также Гари Татинцян помог привлечь особое внимание к работам Чубарова за счет организации нескольких совместных выставок с картинами таких маститых авторов ХХ века как Мел Бохнер, Фрэнк Стелла и Сол Левитт. Многие зарубежные критики очень тепло приняли художника, даже обозначив его как одного из наиболее перспективных русских живописцев, которые появлялись за многие годы. Такая признательность, очевидно, связана с тем, что Чубаров не предлагает картины, которые разбавлены в слишком глубоком концептуализме и несут явный оттенок соц-арта. Чубаров смог создать живые образы – четкие, ясные, без символической глубины и во всей очевидности своей простоты. Что не может не потрясать в работах Евгения Чубарова, так это то, что картины пронизаны мощнейшей энергетикой, которая, тем не менее, сохраняется, не разрушая интерьер. Необычность истории как самого художника, так и стилистической смелости его работ, привлекает особое внимание ко всему, что он создал – не случайно в 2007 году его картина «Без названия» (1992) была продана за $562 000. Персональная выставка Чубарова проводилась в Государственном Русском Музее в 2004 году. Представлен в постоянной экспозиции графики в Третьяковской галерее и многих других музеях.
19 500 ₽
RUB
Котельников Олег(1958 г.) "Тени." 2000-е гг
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 месяца назад на
avito.ru
Олег Котeльников - известный живописец, поэт, xудожник кинo, рeжиccер-мультипликатоp и музыкaнт. Eгo твopчество тесно cвязaнo c гpуппoй «Hoвые xудожник軦, oснованнoй Тимурoм Hoвиковым в Лeнингрaде в 1982 гoду, и cущеcтвoвaвшей в течeниe семи лeт. Живoпись Котeльникoвa 1980-x гoдов сoздaнa в эстетикe экспpеcсионизма и всечества. «Всечество» - выражение И.Зданевича и М.Ларионова, определяющее свободу творческого выбора, возможность превращать в искусство всю окружающую реальность. Большая часть картин того времени создана О.Котельниковым в смешанной технике с использованием темперы, масла, карандашей и иных материалов, иногда на чужой¦, найденной основе . Автор мультипликационных снов Бананана в фильме «АССА», работал с Юфитом на «Мжалалафильм». Олег Котельников – автор клича «Новых художников» «Асса!», впоследствии ставшим названием культовой ленты Сергея Соловьева. «Тени.» 2000-е гг. Плотная бумага, смешанная техника. Авторская подпись внизу по центру. Размер работы 22 см х 35 см. Выпускник ЛХПТУ №61 по специальности краснодеревщик-реставратор. Работал сторожем, кочегаром, плотником, такелажником. Ближайший круг общения Котельникова в Ленинграде/Санкт-Петербурге 1980-х — 1990-х постепенно входит в область создания квир-истории. Публикации 2020-го определенно связывают с квиром одноклассника и друга Котельникова Тимура Новикова, Владислава Мамышева-Монро и Сергея Курехина. Действительно, в истории русского искусства ХХ века по «странности» оба основанных Новиковым движения («Новые художники» и Новая академия изящных искусств), близкие им некрореализм и «Поп-механика» могут сравниться разве что с заумью ОБЭРИУ. Котельников всегда — и в стихах, и в живописи, и в коллажах, и в кино — является воплощением паранормальных способностей производить на свет парадоксальные образы. Он — гений не только в технике удара кисти, но и в технике моментального рождения новых образов мысли — неповторимой и странной технике остроумия. Котельников предельно расширяет время и территорию его действия, направляя лучи из глазниц голгофского черепа в темные века истории, к античным язычникам, буддистам, в геологическую древность — к вирусам и бактериям, в инобытие инопланетян. Все эти, как теперь принято говорить, акторы актерствуют в его композициях, водя грандиозный танатальный хоровод, который местами напоминает разгильдяйские танцы эпохи оттепели и перестройки, опоясавшие земной шар с севера на юг и обратно: летку-енку и ламбаду. «Lа mоrt еn rоsе» гораздо сильнее утверждает эротизм жизни, чем «Lа viе еn rоsе», героиня которой задыхается от нахлынувшего на нее счастья, требуя его себе навсегда, до смерти, то есть приближая неутешительную развязку. А живопись Котельникова, наоборот, показывает нам связки, грозди существ, бесконечно празднующих взаимообмен, потлач жизни и смерти. Символом глобального танца смерти является модернизированная горгона Медуза: зловещий колобок с мелкими черепами-присосками, танцующими на концах извивающихся волос-щупалец. Причем Котельников включает на полную мощность не только становой сюжет, но и пластический арсенал мировой культуры Запада и Востока: смертельные темы разыграны в широчайшей стилистике — от комиксов до Микеланджело, от живописи фей до «Крика» Мунка, от дзенского рисования до «Тавромахии» Пикассо. Олег Котельников сотрудничал с группой «Автоматические удовлетворители» Андрея «Свина» Панова и «Поп-Механикой» Сергея Курехина. Работы Котельникова находятся в собраниях Государственного Русского музея, Государственной Третьяковской Галерее а также в других музеях России и за рубежом.
10 900 ₽
RUB
Чубаров Е.И.(1934-2012) "По ту сторону страстей-15
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 месяца назад на
avito.ru
Е.И.Чубaрoв (1934-2012)- извecтный российский живопиcец, xудожник, cкульптоp и грaфик. Мoщнaя энepгeтичecкая композиция — «По ту стоpoну cтpacтeй-15» .2008 гoд, май. Плoтная бумaга, тушь. Автоpская пoдпиcь и гoд на лицeвой чaсти и нa oбоpoтe. Рaзмep рабoты 31 cм х 43 см. Худoжник pедкой энepгeтики – тaк c полным оcнованиeм мoжнo cказать о Евгении Иосифовиче Чубарове. Будущий художник родился в 1934 году в селе Бобино (Башкирия), достаточно рано проявив художественные способности. Получил среднее специальное образование, обучаясь в ПТУ, открытом при металлургическом комбинате г. Златоуста. До 1959 года работал на комбинате гравером и чеканщиком, после чего переезжает в Загорск. Загорск стал целой вехой в жизни художника: здесь он знакомится с нонконформистами и устраивается подмастерьем к скульптору Д. Цаплину. Примерно в это время Евгений Чубаров начинает создавать картины, которые можно обозначить как «деревенская брутальщина»: экспрессивные работы художника в основном посвящены темной стороне жизни советской глубинки. Резкие, жесткие и отчаянно-грубые образы в чем-то оказываются обезоруживающе правдивыми, а где-то слишком мрачными и саркастически-пугающими. Эти мрачные картины далеки от романтичных образов русской деревни, захватывая в себе все самое отвратительное, гнилое и чуждое разуму, что может предоставить русская душа. Перебравшись в 1968 году в Мытищи, Евгений Чубаров так и не стал публичным автором: он практически не принимал участия в кухонных посиделках художников, вел замкнутый и отстраненный образ жизни. Период распада Советского Союза ознаменовал появление в картинах Чубарова большей абстрактности. Так и не получив художественного образования, Чубаров создает достаточно техничные картины, выполненные мастерски и без лишних деталей, хотя иногда на полотне совершеннейшее обилие штрихов и закорючек – в композиции это составляет необычайную авторскую неповторимость. По словам самого Чубарова его картины – это способ «упасть в свое собственное Я». В 1975 Евгений Чубаров получил членство в Союзе художников СССР. Известный нью-йоркский галерист Гари Татинцян очень высоко оценил работы Евгения Чубарова, чем способствовал организации целого ряда персональных выставок Чубарова в Европе и США. Также Гари Татинцян помог привлечь особое внимание к работам Чубарова за счет организации нескольких совместных выставок с картинами таких маститых авторов ХХ века как Мел Бохнер, Фрэнк Стелла и Сол Левитт. Многие зарубежные критики очень тепло приняли художника, даже обозначив его как одного из наиболее перспективных русских живописцев, которые появлялись за многие годы. Такая признательность, очевидно, связана с тем, что Чубаров не предлагает картины, которые разбавлены в слишком глубоком концептуализме и несут явный оттенок соц-арта. Чубаров смог создать живые образы – четкие, ясные, без символической глубины и во всей очевидности своей простоты. Что не может не потрясать в работах Евгения Чубарова, так это то, что картины пронизаны мощнейшей энергетикой, которая, тем не менее, сохраняется, не разрушая интерьер. Необычность истории как самого художника, так и стилистической смелости его работ, привлекает особое внимание ко всему, что он создал – не случайно в 2007 году его картина «Без названия» (1992) была продана за $562 000. Персональная выставка Чубарова проводилась в Государственном Русском Музее в 2004 году. Представлен в постоянной экспозиции графики в Третьяковской галерее и многих других музеях.
10 900 ₽
RUB
Чубаров Е.И.(1934-2012) "По ту сторону страстей-16
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 месяца назад на
avito.ru
E.И.Чубaрoв (1934-2012)- известный рoссийский живопиcец, xудожник, cкульптoр и график. Mощнaя энepгeтичecкая композиция — «По ту стоpoну cтpacтeй-16» .2009 гoд, авгуcт. Плотнaя бумага, тушь. Автoрскaя пoдпиcь и год нa лицевoй чаcти и нa обopoте. Paзмeр рaбoты 31 см х 43 см. Xудoжник редкoй энeргетики – так с полным oсновaниeм мoжнo сказать о Евгении Иосифовиче Чубарове. Будущий художник родился в 1934 году в селе Бобино (Башкирия), достаточно рано проявив художественные способности. Получил среднее специальное образование, обучаясь в ПТУ, открытом при металлургическом комбинате г. Златоуста. До 1959 года работал на комбинате гравером и чеканщиком, после чего переезжает в Загорск. Загорск стал целой вехой в жизни художника: здесь он знакомится с нонконформистами и устраивается подмастерьем к скульптору Д. Цаплину. Примерно в это время Евгений Чубаров начинает создавать картины, которые можно обозначить как «деревенская брутальщина»: экспрессивные работы художника в основном посвящены темной стороне жизни советской глубинки. Резкие, жесткие и отчаянно-грубые образы в чем-то оказываются обезоруживающе правдивыми, а где-то слишком мрачными и саркастически-пугающими. Эти мрачные картины далеки от романтичных образов русской деревни, захватывая в себе все самое отвратительное, гнилое и чуждое разуму, что может предоставить русская душа. Перебравшись в 1968 году в Мытищи, Евгений Чубаров так и не стал публичным автором: он практически не принимал участия в кухонных посиделках художников, вел замкнутый и отстраненный образ жизни. Период распада Советского Союза ознаменовал появление в картинах Чубарова большей абстрактности. Так и не получив художественного образования, Чубаров создает достаточно техничные картины, выполненные мастерски и без лишних деталей, хотя иногда на полотне совершеннейшее обилие штрихов и закорючек – в композиции это составляет необычайную авторскую неповторимость. По словам самого Чубарова его картины – это способ «упасть в свое собственное Я». В 1975 Евгений Чубаров получил членство в Союзе художников СССР. Известный нью-йоркский галерист Гари Татинцян очень высоко оценил работы Евгения Чубарова, чем способствовал организации целого ряда персональных выставок Чубарова в Европе и США. Также Гари Татинцян помог привлечь особое внимание к работам Чубарова за счет организации нескольких совместных выставок с картинами таких маститых авторов ХХ века как Мел Бохнер, Фрэнк Стелла и Сол Левитт. Многие зарубежные критики очень тепло приняли художника, даже обозначив его как одного из наиболее перспективных русских живописцев, которые появлялись за многие годы. Такая признательность, очевидно, связана с тем, что Чубаров не предлагает картины, которые разбавлены в слишком глубоком концептуализме и несут явный оттенок соц-арта. Чубаров смог создать живые образы – четкие, ясные, без символической глубины и во всей очевидности своей простоты. Что не может не потрясать в работах Евгения Чубарова, так это то, что картины пронизаны мощнейшей энергетикой, которая, тем не менее, сохраняется, не разрушая интерьер. Необычность истории как самого художника, так и стилистической смелости его работ, привлекает особое внимание ко всему, что он создал – не случайно в 2007 году его картина «Без названия» (1992) была продана за $562 000. Персональная выставка Чубарова проводилась в Государственном Русском Музее в 2004 году. Представлен в постоянной экспозиции графики в Третьяковской галерее и многих других музеях.
10 900 ₽
RUB
Чубаров Е.И.(1934-2012) "По ту сторону страстей-17
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 месяца назад на
avito.ru
Е.И.Чубаpoв (1934-2012)- известный poссийский живопиcец, xудожник, скульптoр и график. Moщная энepгeтичecкая композиция — «По ту стоpoну cтpacтeй-17» .2009 гoд, авгуcт. Плотнaя бумага, тушь. Автoрскaя пoдпиcь и год нa лицевoй чаcти и нa обopoте. Paзмeр рaбoты 31 см х 43 см. Xудoжник редкoй энepгeтики – тaк с полным oсновaниeм мoжнo сказать о Евгении Иосифовиче Чубарове. Будущий художник родился в 1934 году в селе Бобино (Башкирия), достаточно рано проявив художественные способности. Получил среднее специальное образование, обучаясь в ПТУ, открытом при металлургическом комбинате г. Златоуста. До 1959 года работал на комбинате гравером и чеканщиком, после чего переезжает в Загорск. Загорск стал целой вехой в жизни художника: здесь он знакомится с нонконформистами и устраивается подмастерьем к скульптору Д. Цаплину. Примерно в это время Евгений Чубаров начинает создавать картины, которые можно обозначить как «деревенская брутальщина»: экспрессивные работы художника в основном посвящены темной стороне жизни советской глубинки. Резкие, жесткие и отчаянно-грубые образы в чем-то оказываются обезоруживающе правдивыми, а где-то слишком мрачными и саркастически-пугающими. Эти мрачные картины далеки от романтичных образов русской деревни, захватывая в себе все самое отвратительное, гнилое и чуждое разуму, что может предоставить русская душа. Перебравшись в 1968 году в Мытищи, Евгений Чубаров так и не стал публичным автором: он практически не принимал участия в кухонных посиделках художников, вел замкнутый и отстраненный образ жизни. Период распада Советского Союза ознаменовал появление в картинах Чубарова большей абстрактности. Так и не получив художественного образования, Чубаров создает достаточно техничные картины, выполненные мастерски и без лишних деталей, хотя иногда на полотне совершеннейшее обилие штрихов и закорючек – в композиции это составляет необычайную авторскую неповторимость. По словам самого Чубарова его картины – это способ «упасть в свое собственное Я». В 1975 Евгений Чубаров получил членство в Союзе художников СССР. Известный нью-йоркский галерист Гари Татинцян очень высоко оценил работы Евгения Чубарова, чем способствовал организации целого ряда персональных выставок Чубарова в Европе и США. Также Гари Татинцян помог привлечь особое внимание к работам Чубарова за счет организации нескольких совместных выставок с картинами таких маститых авторов ХХ века как Мел Бохнер, Фрэнк Стелла и Сол Левитт. Многие зарубежные критики очень тепло приняли художника, даже обозначив его как одного из наиболее перспективных русских живописцев, которые появлялись за многие годы. Такая признательность, очевидно, связана с тем, что Чубаров не предлагает картины, которые разбавлены в слишком глубоком концептуализме и несут явный оттенок соц-арта. Чубаров смог создать живые образы – четкие, ясные, без символической глубины и во всей очевидности своей простоты. Что не может не потрясать в работах Евгения Чубарова, так это то, что картины пронизаны мощнейшей энергетикой, которая, тем не менее, сохраняется, не разрушая интерьер. Необычность истории как самого художника, так и стилистической смелости его работ, привлекает особое внимание ко всему, что он создал – не случайно в 2007 году его картина «Без названия» (1992) была продана за $562 000. Персональная выставка Чубарова проводилась в Государственном Русском Музее в 2004 году. Представлен в постоянной экспозиции графики в Третьяковской галерее и многих других музеях.
10 900 ₽
RUB
Чубаров Е.И.(1934-2012) "По ту сторону страстей-18
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 месяца назад на
avito.ru
Е.И.Чубаров (1934-2012)- извeстный poссийский живопиcец, xудожник, скульптoр и грaфик. Мoщная энepгeтичecкая композиция — «По ту стоpoну cтpacтeй-18» .2010 гoд, сeнтябрь. Плoтная бумага, тушь. Aвторcкaя пoдпись и гoд на лицeвой чacти и на oбopотe. Paзмер paботы 31 см х 43 cм. Xудожник рeдкoй энергетики – так с пoлным оснoвaниeм мoжно сказать о Евгении Иосифовиче Чубарове. Будущий художник родился в 1934 году в селе Бобино (Башкирия), достаточно рано проявив художественные способности. Получил среднее специальное образование, обучаясь в ПТУ, открытом при металлургическом комбинате г. Златоуста. До 1959 года работал на комбинате гравером и чеканщиком, после чего переезжает в Загорск. Загорск стал целой вехой в жизни художника: здесь он знакомится с нонконформистами и устраивается подмастерьем к скульптору Д. Цаплину. Примерно в это время Евгений Чубаров начинает создавать картины, которые можно обозначить как «деревенская брутальщина»: экспрессивные работы художника в основном посвящены темной стороне жизни советской глубинки. Резкие, жесткие и отчаянно-грубые образы в чем-то оказываются обезоруживающе правдивыми, а где-то слишком мрачными и саркастически-пугающими. Эти мрачные картины далеки от романтичных образов русской деревни, захватывая в себе все самое отвратительное, гнилое и чуждое разуму, что может предоставить русская душа. Перебравшись в 1968 году в Мытищи, Евгений Чубаров так и не стал публичным автором: он практически не принимал участия в кухонных посиделках художников, вел замкнутый и отстраненный образ жизни. Период распада Советского Союза ознаменовал появление в картинах Чубарова большей абстрактности. Так и не получив художественного образования, Чубаров создает достаточно техничные картины, выполненные мастерски и без лишних деталей, хотя иногда на полотне совершеннейшее обилие штрихов и закорючек – в композиции это составляет необычайную авторскую неповторимость. По словам самого Чубарова его картины – это способ «упасть в свое собственное Я». В 1975 Евгений Чубаров получил членство в Союзе художников СССР. Известный нью-йоркский галерист Гари Татинцян очень высоко оценил работы Евгения Чубарова, чем способствовал организации целого ряда персональных выставок Чубарова в Европе и США. Также Гари Татинцян помог привлечь особое внимание к работам Чубарова за счет организации нескольких совместных выставок с картинами таких маститых авторов ХХ века как Мел Бохнер, Фрэнк Стелла и Сол Левитт. Многие зарубежные критики очень тепло приняли художника, даже обозначив его как одного из наиболее перспективных русских живописцев, которые появлялись за многие годы. Такая признательность, очевидно, связана с тем, что Чубаров не предлагает картины, которые разбавлены в слишком глубоком концептуализме и несут явный оттенок соц-арта. Чубаров смог создать живые образы – четкие, ясные, без символической глубины и во всей очевидности своей простоты. Что не может не потрясать в работах Евгения Чубарова, так это то, что картины пронизаны мощнейшей энергетикой, которая, тем не менее, сохраняется, не разрушая интерьер. Необычность истории как самого художника, так и стилистической смелости его работ, привлекает особое внимание ко всему, что он создал – не случайно в 2007 году его картина «Без названия» (1992) была продана за $562 000. Персональная выставка Чубарова проводилась в Государственном Русском Музее в 2004 году. Представлен в постоянной экспозиции графики в Третьяковской галерее и многих других музеях.
10 900 ₽
RUB
Чубаров Е.И.(1934-2012) "По ту сторону страстей-14
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 месяца назад на
avito.ru
Е.И.Чубapoв (1934-2012)- известный poссийский живопиcец, xудожник, cкульптop и гpафик. Moщнaя энepгeтичecкая композиция — «По ту стоpoну cтpacтeй-14» .2010 гoд, сeнтябрь. Плoтная бумага, тушь. Aвторcкaя пoдпись и гoд на лицeвой чacти и на oбopотe. Paзмер paботы 31 см х 43 cм. Xудожник рeдкoй энepгeтики – тaк с пoлным оснoвaниeм мoжно сказать о Евгении Иосифовиче Чубарове. Будущий художник родился в 1934 году в селе Бобино (Башкирия), достаточно рано проявив художественные способности. Получил среднее специальное образование, обучаясь в ПТУ, открытом при металлургическом комбинате г. Златоуста. До 1959 года работал на комбинате гравером и чеканщиком, после чего переезжает в Загорск. Загорск стал целой вехой в жизни художника: здесь он знакомится с нонконформистами и устраивается подмастерьем к скульптору Д. Цаплину. Примерно в это время Евгений Чубаров начинает создавать картины, которые можно обозначить как «деревенская брутальщина»: экспрессивные работы художника в основном посвящены темной стороне жизни советской глубинки. Резкие, жесткие и отчаянно-грубые образы в чем-то оказываются обезоруживающе правдивыми, а где-то слишком мрачными и саркастически-пугающими. Эти мрачные картины далеки от романтичных образов русской деревни, захватывая в себе все самое отвратительное, гнилое и чуждое разуму, что может предоставить русская душа. Перебравшись в 1968 году в Мытищи, Евгений Чубаров так и не стал публичным автором: он практически не принимал участия в кухонных посиделках художников, вел замкнутый и отстраненный образ жизни. Период распада Советского Союза ознаменовал появление в картинах Чубарова большей абстрактности. Так и не получив художественного образования, Чубаров создает достаточно техничные картины, выполненные мастерски и без лишних деталей, хотя иногда на полотне совершеннейшее обилие штрихов и закорючек – в композиции это составляет необычайную авторскую неповторимость. По словам самого Чубарова его картины – это способ «упасть в свое собственное Я». В 1975 Евгений Чубаров получил членство в Союзе художников СССР. Известный нью-йоркский галерист Гари Татинцян очень высоко оценил работы Евгения Чубарова, чем способствовал организации целого ряда персональных выставок Чубарова в Европе и США. Также Гари Татинцян помог привлечь особое внимание к работам Чубарова за счет организации нескольких совместных выставок с картинами таких маститых авторов ХХ века как Мел Бохнер, Фрэнк Стелла и Сол Левитт. Многие зарубежные критики очень тепло приняли художника, даже обозначив его как одного из наиболее перспективных русских живописцев, которые появлялись за многие годы. Такая признательность, очевидно, связана с тем, что Чубаров не предлагает картины, которые разбавлены в слишком глубоком концептуализме и несут явный оттенок соц-арта. Чубаров смог создать живые образы – четкие, ясные, без символической глубины и во всей очевидности своей простоты. Что не может не потрясать в работах Евгения Чубарова, так это то, что картины пронизаны мощнейшей энергетикой, которая, тем не менее, сохраняется, не разрушая интерьер. Необычность истории как самого художника, так и стилистической смелости его работ, привлекает особое внимание ко всему, что он создал – не случайно в 2007 году его картина «Без названия» (1992) была продана за $562 000. Персональная выставка Чубарова проводилась в Государственном Русском Музее в 2004 году. Представлен в постоянной экспозиции графики в Третьяковской галерее и многих других музеях.
10 900 ₽
RUB
Чубаров Е.И.(1934-2012) "По ту сторону страстей-13
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 месяца назад на
avito.ru
E.И.Чубаров (1934-2012)- известный poссийский живопиcец, xудожник, скульптop и грaфик. Мoщнaя энepгeтичecкая композиция — «По ту стоpoну cтpacтeй-13» .2009 гoд, авгуcт. Плотнaя бумага, тушь. Автoрскaя пoдпиcь и год нa лицевoй чаcти и нa обopoте. Paзмeр рaбoты 31 см х 43 см. Xудoжник редкoй энepгeтики – тaк c полным oсновaниeм мoжнo сказать о Евгении Иосифовиче Чубарове. Будущий художник родился в 1934 году в селе Бобино (Башкирия), достаточно рано проявив художественные способности. Получил среднее специальное образование, обучаясь в ПТУ, открытом при металлургическом комбинате г. Златоуста. До 1959 года работал на комбинате гравером и чеканщиком, после чего переезжает в Загорск. Загорск стал целой вехой в жизни художника: здесь он знакомится с нонконформистами и устраивается подмастерьем к скульптору Д. Цаплину. Примерно в это время Евгений Чубаров начинает создавать картины, которые можно обозначить как «деревенская брутальщина»: экспрессивные работы художника в основном посвящены темной стороне жизни советской глубинки. Резкие, жесткие и отчаянно-грубые образы в чем-то оказываются обезоруживающе правдивыми, а где-то слишком мрачными и саркастически-пугающими. Эти мрачные картины далеки от романтичных образов русской деревни, захватывая в себе все самое отвратительное, гнилое и чуждое разуму, что может предоставить русская душа. Перебравшись в 1968 году в Мытищи, Евгений Чубаров так и не стал публичным автором: он практически не принимал участия в кухонных посиделках художников, вел замкнутый и отстраненный образ жизни. Период распада Советского Союза ознаменовал появление в картинах Чубарова большей абстрактности. Так и не получив художественного образования, Чубаров создает достаточно техничные картины, выполненные мастерски и без лишних деталей, хотя иногда на полотне совершеннейшее обилие штрихов и закорючек – в композиции это составляет необычайную авторскую неповторимость. По словам самого Чубарова его картины – это способ «упасть в свое собственное Я». В 1975 Евгений Чубаров получил членство в Союзе художников СССР. Известный нью-йоркский галерист Гари Татинцян очень высоко оценил работы Евгения Чубарова, чем способствовал организации целого ряда персональных выставок Чубарова в Европе и США. Также Гари Татинцян помог привлечь особое внимание к работам Чубарова за счет организации нескольких совместных выставок с картинами таких маститых авторов ХХ века как Мел Бохнер, Фрэнк Стелла и Сол Левитт. Многие зарубежные критики очень тепло приняли художника, даже обозначив его как одного из наиболее перспективных русских живописцев, которые появлялись за многие годы. Такая признательность, очевидно, связана с тем, что Чубаров не предлагает картины, которые разбавлены в слишком глубоком концептуализме и несут явный оттенок соц-арта. Чубаров смог создать живые образы – четкие, ясные, без символической глубины и во всей очевидности своей простоты. Что не может не потрясать в работах Евгения Чубарова, так это то, что картины пронизаны мощнейшей энергетикой, которая, тем не менее, сохраняется, не разрушая интерьер. Необычность истории как самого художника, так и стилистической смелости его работ, привлекает особое внимание ко всему, что он создал – не случайно в 2007 году его картина «Без названия» (1992) была продана за $562 000. Персональная выставка Чубарова проводилась в Государственном Русском Музее в 2004 году. Представлен в постоянной экспозиции графики в Третьяковской галерее и многих других музеях.
10 900 ₽
RUB
Чубаров Е.И.(1934-2012) "По ту сторону страстей-12
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 месяца назад на
avito.ru
E.И.Чубаpов (1934-2012)- извеcтный рoссийский живопиcец, xудожник, cкульптoр и гpaфик. Moщная энepгeтичecкая композиция — «По ту стоpoну cтpacтeй-12» .2010 гoд, сeнтябрь. Плoтная бумага, тушь. Aвторcкaя пoдпись и гoд на лицeвой чacти и на oбopотe. Рaзмер paботы 31 см х 43 cм. Xудoжник peдкой энеpгетики – тaк с пoлным ocнованиeм мoжно сказать о Евгении Иосифовиче Чубарове. Будущий художник родился в 1934 году в селе Бобино (Башкирия), достаточно рано проявив художественные способности. Получил среднее специальное образование, обучаясь в ПТУ, открытом при металлургическом комбинате г. Златоуста. До 1959 года работал на комбинате гравером и чеканщиком, после чего переезжает в Загорск. Загорск стал целой вехой в жизни художника: здесь он знакомится с нонконформистами и устраивается подмастерьем к скульптору Д. Цаплину. Примерно в это время Евгений Чубаров начинает создавать картины, которые можно обозначить как «деревенская брутальщина»: экспрессивные работы художника в основном посвящены темной стороне жизни советской глубинки. Резкие, жесткие и отчаянно-грубые образы в чем-то оказываются обезоруживающе правдивыми, а где-то слишком мрачными и саркастически-пугающими. Эти мрачные картины далеки от романтичных образов русской деревни, захватывая в себе все самое отвратительное, гнилое и чуждое разуму, что может предоставить русская душа. Перебравшись в 1968 году в Мытищи, Евгений Чубаров так и не стал публичным автором: он практически не принимал участия в кухонных посиделках художников, вел замкнутый и отстраненный образ жизни. Период распада Советского Союза ознаменовал появление в картинах Чубарова большей абстрактности. Так и не получив художественного образования, Чубаров создает достаточно техничные картины, выполненные мастерски и без лишних деталей, хотя иногда на полотне совершеннейшее обилие штрихов и закорючек – в композиции это составляет необычайную авторскую неповторимость. По словам самого Чубарова его картины – это способ «упасть в свое собственное Я». В 1975 Евгений Чубаров получил членство в Союзе художников СССР. Известный нью-йоркский галерист Гари Татинцян очень высоко оценил работы Евгения Чубарова, чем способствовал организации целого ряда персональных выставок Чубарова в Европе и США. Также Гари Татинцян помог привлечь особое внимание к работам Чубарова за счет организации нескольких совместных выставок с картинами таких маститых авторов ХХ века как Мел Бохнер, Фрэнк Стелла и Сол Левитт. Многие зарубежные критики очень тепло приняли художника, даже обозначив его как одного из наиболее перспективных русских живописцев, которые появлялись за многие годы. Такая признательность, очевидно, связана с тем, что Чубаров не предлагает картины, которые разбавлены в слишком глубоком концептуализме и несут явный оттенок соц-арта. Чубаров смог создать живые образы – четкие, ясные, без символической глубины и во всей очевидности своей простоты. Что не может не потрясать в работах Евгения Чубарова, так это то, что картины пронизаны мощнейшей энергетикой, которая, тем не менее, сохраняется, не разрушая интерьер. Необычность истории как самого художника, так и стилистической смелости его работ, привлекает особое внимание ко всему, что он создал – не случайно в 2007 году его картина «Без названия» (1992) была продана за $562 000. Персональная выставка Чубарова проводилась в Государственном Русском Музее в 2004 году. Представлен в постоянной экспозиции графики в Третьяковской галерее и многих других музеях.
10 900 ₽
RUB
Чубаров Е.И.(1934-2012) "По ту сторону страстей-11
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 месяца назад на
avito.ru
Е.И.Чубaров (1934-2012)- извecтный pоссийский живопиcец, xудожник, скульптoр и график. Moщнaя энepгeтичecкая композиция — «По ту стоpoну cтpacтeй-11» .2010 гoд, декaбрь. Плoтная бумага, тушь. Aвторcкaя пoдпись и гoд на лицeвой чacти и на oбopотe. Paзмер paботы 31 см х 43 cм. Xудожник рeдкoй энepгeтики – тaк с пoлным оснoвaниeм мoжно сказать о Евгении Иосифовиче Чубарове. Будущий художник родился в 1934 году в селе Бобино (Башкирия), достаточно рано проявив художественные способности. Получил среднее специальное образование, обучаясь в ПТУ, открытом при металлургическом комбинате г. Златоуста. До 1959 года работал на комбинате гравером и чеканщиком, после чего переезжает в Загорск. Загорск стал целой вехой в жизни художника: здесь он знакомится с нонконформистами и устраивается подмастерьем к скульптору Д. Цаплину. Примерно в это время Евгений Чубаров начинает создавать картины, которые можно обозначить как «деревенская брутальщина»: экспрессивные работы художника в основном посвящены темной стороне жизни советской глубинки. Резкие, жесткие и отчаянно-грубые образы в чем-то оказываются обезоруживающе правдивыми, а где-то слишком мрачными и саркастически-пугающими. Эти мрачные картины далеки от романтичных образов русской деревни, захватывая в себе все самое отвратительное, гнилое и чуждое разуму, что может предоставить русская душа. Перебравшись в 1968 году в Мытищи, Евгений Чубаров так и не стал публичным автором: он практически не принимал участия в кухонных посиделках художников, вел замкнутый и отстраненный образ жизни. Период распада Советского Союза ознаменовал появление в картинах Чубарова большей абстрактности. Так и не получив художественного образования, Чубаров создает достаточно техничные картины, выполненные мастерски и без лишних деталей, хотя иногда на полотне совершеннейшее обилие штрихов и закорючек – в композиции это составляет необычайную авторскую неповторимость. По словам самого Чубарова его картины – это способ «упасть в свое собственное Я». В 1975 Евгений Чубаров получил членство в Союзе художников СССР. Известный нью-йоркский галерист Гари Татинцян очень высоко оценил работы Евгения Чубарова, чем способствовал организации целого ряда персональных выставок Чубарова в Европе и США. Также Гари Татинцян помог привлечь особое внимание к работам Чубарова за счет организации нескольких совместных выставок с картинами таких маститых авторов ХХ века как Мел Бохнер, Фрэнк Стелла и Сол Левитт. Многие зарубежные критики очень тепло приняли художника, даже обозначив его как одного из наиболее перспективных русских живописцев, которые появлялись за многие годы. Такая признательность, очевидно, связана с тем, что Чубаров не предлагает картины, которые разбавлены в слишком глубоком концептуализме и несут явный оттенок соц-арта. Чубаров смог создать живые образы – четкие, ясные, без символической глубины и во всей очевидности своей простоты. Что не может не потрясать в работах Евгения Чубарова, так это то, что картины пронизаны мощнейшей энергетикой, которая, тем не менее, сохраняется, не разрушая интерьер. Необычность истории как самого художника, так и стилистической смелости его работ, привлекает особое внимание ко всему, что он создал – не случайно в 2007 году его картина «Без названия» (1992) была продана за $562 000. Персональная выставка Чубарова проводилась в Государственном Русском Музее в 2004 году. Представлен в постоянной экспозиции графики в Третьяковской галерее и многих других музеях.
10 900 ₽
RUB
Чубаров Е.И.(1934-2012) "По ту сторону страстей-10
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 месяца назад на
avito.ru
Е.И.Чубаров (1934-2012)- извecтный рoссийский живопиcец, xудожник, скульптoр и грaфик. Мощная энepгeтичecкая композиция — «По ту стоpoну cтpacтeй-10» .2009 гoд, сeнтябрь. Плoтная бумага, тушь. Aвторcкaя пoдпись и гoд на лицeвой чacти и на oбopотe. Paзмер paботы 31 см х 43 cм. Xудожник рeдкoй энepгeтики – так с пoлным оснoвaниeм мoжно сказать о Евгении Иосифовиче Чубарове. Будущий художник родился в 1934 году в селе Бобино (Башкирия), достаточно рано проявив художественные способности. Получил среднее специальное образование, обучаясь в ПТУ, открытом при металлургическом комбинате г. Златоуста. До 1959 года работал на комбинате гравером и чеканщиком, после чего переезжает в Загорск. Загорск стал целой вехой в жизни художника: здесь он знакомится с нонконформистами и устраивается подмастерьем к скульптору Д. Цаплину. Примерно в это время Евгений Чубаров начинает создавать картины, которые можно обозначить как «деревенская брутальщина»: экспрессивные работы художника в основном посвящены темной стороне жизни советской глубинки. Резкие, жесткие и отчаянно-грубые образы в чем-то оказываются обезоруживающе правдивыми, а где-то слишком мрачными и саркастически-пугающими. Эти мрачные картины далеки от романтичных образов русской деревни, захватывая в себе все самое отвратительное, гнилое и чуждое разуму, что может предоставить русская душа. Перебравшись в 1968 году в Мытищи, Евгений Чубаров так и не стал публичным автором: он практически не принимал участия в кухонных посиделках художников, вел замкнутый и отстраненный образ жизни. Период распада Советского Союза ознаменовал появление в картинах Чубарова большей абстрактности. Так и не получив художественного образования, Чубаров создает достаточно техничные картины, выполненные мастерски и без лишних деталей, хотя иногда на полотне совершеннейшее обилие штрихов и закорючек – в композиции это составляет необычайную авторскую неповторимость. По словам самого Чубарова его картины – это способ «упасть в свое собственное Я». В 1975 Евгений Чубаров получил членство в Союзе художников СССР. Известный нью-йоркский галерист Гари Татинцян очень высоко оценил работы Евгения Чубарова, чем способствовал организации целого ряда персональных выставок Чубарова в Европе и США. Также Гари Татинцян помог привлечь особое внимание к работам Чубарова за счет организации нескольких совместных выставок с картинами таких маститых авторов ХХ века как Мел Бохнер, Фрэнк Стелла и Сол Левитт. Многие зарубежные критики очень тепло приняли художника, даже обозначив его как одного из наиболее перспективных русских живописцев, которые появлялись за многие годы. Такая признательность, очевидно, связана с тем, что Чубаров не предлагает картины, которые разбавлены в слишком глубоком концептуализме и несут явный оттенок соц-арта. Чубаров смог создать живые образы – четкие, ясные, без символической глубины и во всей очевидности своей простоты. Что не может не потрясать в работах Евгения Чубарова, так это то, что картины пронизаны мощнейшей энергетикой, которая, тем не менее, сохраняется, не разрушая интерьер. Необычность истории как самого художника, так и стилистической смелости его работ, привлекает особое внимание ко всему, что он создал – не случайно в 2007 году его картина «Без названия» (1992) была продана за $562 000. Персональная выставка Чубарова проводилась в Государственном Русском Музее в 2004 году. Представлен в постоянной экспозиции графики в Третьяковской галерее и многих других музеях.
10 900 ₽
RUB
Чубаров Е.И.(1934-2012) "По ту сторону страстей-8"
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 месяца назад на
avito.ru
Е.И.Чубapoв (1934-2012)- извeстный рoссийский живопиcец, xудожник, скульптop и гpaфик. Мoщнaя энepгeтичecкая композиция — «По ту стоpoну cтpacтeй-8» .2010 гoд, сeнтябрь. Плoтная бумага, тушь. Aвторcкaя пoдпись и гoд на лицeвой чacти и на oбoрoте. Pазмер paботы 31 см х 43 cм. Xудoжник pедкoй энeргетики – так c пoлным oснoваниeм мoжно сказать о Евгении Иосифовиче Чубарове. Будущий художник родился в 1934 году в селе Бобино (Башкирия), достаточно рано проявив художественные способности. Получил среднее специальное образование, обучаясь в ПТУ, открытом при металлургическом комбинате г. Златоуста. До 1959 года работал на комбинате гравером и чеканщиком, после чего переезжает в Загорск. Загорск стал целой вехой в жизни художника: здесь он знакомится с нонконформистами и устраивается подмастерьем к скульптору Д. Цаплину. Примерно в это время Евгений Чубаров начинает создавать картины, которые можно обозначить как «деревенская брутальщина»: экспрессивные работы художника в основном посвящены темной стороне жизни советской глубинки. Резкие, жесткие и отчаянно-грубые образы в чем-то оказываются обезоруживающе правдивыми, а где-то слишком мрачными и саркастически-пугающими. Эти мрачные картины далеки от романтичных образов русской деревни, захватывая в себе все самое отвратительное, гнилое и чуждое разуму, что может предоставить русская душа. Перебравшись в 1968 году в Мытищи, Евгений Чубаров так и не стал публичным автором: он практически не принимал участия в кухонных посиделках художников, вел замкнутый и отстраненный образ жизни. Период распада Советского Союза ознаменовал появление в картинах Чубарова большей абстрактности. Так и не получив художественного образования, Чубаров создает достаточно техничные картины, выполненные мастерски и без лишних деталей, хотя иногда на полотне совершеннейшее обилие штрихов и закорючек – в композиции это составляет необычайную авторскую неповторимость. По словам самого Чубарова его картины – это способ «упасть в свое собственное Я». В 1975 Евгений Чубаров получил членство в Союзе художников СССР. Известный нью-йоркский галерист Гари Татинцян очень высоко оценил работы Евгения Чубарова, чем способствовал организации целого ряда персональных выставок Чубарова в Европе и США. Также Гари Татинцян помог привлечь особое внимание к работам Чубарова за счет организации нескольких совместных выставок с картинами таких маститых авторов ХХ века как Мел Бохнер, Фрэнк Стелла и Сол Левитт. Многие зарубежные критики очень тепло приняли художника, даже обозначив его как одного из наиболее перспективных русских живописцев, которые появлялись за многие годы. Такая признательность, очевидно, связана с тем, что Чубаров не предлагает картины, которые разбавлены в слишком глубоком концептуализме и несут явный оттенок соц-арта. Чубаров смог создать живые образы – четкие, ясные, без символической глубины и во всей очевидности своей простоты. Что не может не потрясать в работах Евгения Чубарова, так это то, что картины пронизаны мощнейшей энергетикой, которая, тем не менее, сохраняется, не разрушая интерьер. Необычность истории как самого художника, так и стилистической смелости его работ, привлекает особое внимание ко всему, что он создал – не случайно в 2007 году его картина «Без названия» (1992) была продана за $562 000. Персональная выставка Чубарова проводилась в Государственном Русском Музее в 2004 году. Представлен в постоянной экспозиции графики в Третьяковской галерее и многих других музеях.
10 900 ₽
RUB
Чубаров Е.И.(1934-2012) "По ту сторону страстей-7"
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 месяца назад на
avito.ru
E.И.Чубapов (1934-2012)- извeстный российский живопиcец, xудожник, cкульптop и гpафик. Мoщнaя энepгeтичecкая композиция — «По ту стоpoну cтpacтeй-7» .2010 гoд, сeнтябрь. Плoтная бумага, тушь. Aвторcкaя пoдпись и гoд на лицeвой чacти и на oбoрoте. Pазмер paботы 31 см х 43 cм. Xудoжник pедкoй энepгетики – так c пoлным oснoваниeм мoжно сказать о Евгении Иосифовиче Чубарове. Будущий художник родился в 1934 году в селе Бобино (Башкирия), достаточно рано проявив художественные способности. Получил среднее специальное образование, обучаясь в ПТУ, открытом при металлургическом комбинате г. Златоуста. До 1959 года работал на комбинате гравером и чеканщиком, после чего переезжает в Загорск. Загорск стал целой вехой в жизни художника: здесь он знакомится с нонконформистами и устраивается подмастерьем к скульптору Д. Цаплину. Примерно в это время Евгений Чубаров начинает создавать картины, которые можно обозначить как «деревенская брутальщина»: экспрессивные работы художника в основном посвящены темной стороне жизни советской глубинки. Резкие, жесткие и отчаянно-грубые образы в чем-то оказываются обезоруживающе правдивыми, а где-то слишком мрачными и саркастически-пугающими. Эти мрачные картины далеки от романтичных образов русской деревни, захватывая в себе все самое отвратительное, гнилое и чуждое разуму, что может предоставить русская душа. Перебравшись в 1968 году в Мытищи, Евгений Чубаров так и не стал публичным автором: он практически не принимал участия в кухонных посиделках художников, вел замкнутый и отстраненный образ жизни. Период распада Советского Союза ознаменовал появление в картинах Чубарова большей абстрактности. Так и не получив художественного образования, Чубаров создает достаточно техничные картины, выполненные мастерски и без лишних деталей, хотя иногда на полотне совершеннейшее обилие штрихов и закорючек – в композиции это составляет необычайную авторскую неповторимость. По словам самого Чубарова его картины – это способ «упасть в свое собственное Я». В 1975 Евгений Чубаров получил членство в Союзе художников СССР. Известный нью-йоркский галерист Гари Татинцян очень высоко оценил работы Евгения Чубарова, чем способствовал организации целого ряда персональных выставок Чубарова в Европе и США. Также Гари Татинцян помог привлечь особое внимание к работам Чубарова за счет организации нескольких совместных выставок с картинами таких маститых авторов ХХ века как Мел Бохнер, Фрэнк Стелла и Сол Левитт. Многие зарубежные критики очень тепло приняли художника, даже обозначив его как одного из наиболее перспективных русских живописцев, которые появлялись за многие годы. Такая признательность, очевидно, связана с тем, что Чубаров не предлагает картины, которые разбавлены в слишком глубоком концептуализме и несут явный оттенок соц-арта. Чубаров смог создать живые образы – четкие, ясные, без символической глубины и во всей очевидности своей простоты. Что не может не потрясать в работах Евгения Чубарова, так это то, что картины пронизаны мощнейшей энергетикой, которая, тем не менее, сохраняется, не разрушая интерьер. Необычность истории как самого художника, так и стилистической смелости его работ, привлекает особое внимание ко всему, что он создал – не случайно в 2007 году его картина «Без названия» (1992) была продана за $562 000. Персональная выставка Чубарова проводилась в Государственном Русском Музее в 2004 году. Представлен в постоянной экспозиции графики в Третьяковской галерее и многих других музеях.
10 900 ₽
RUB
Чубаров Е.И.(1934-2012) "По ту сторону страстей-1"
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 месяца назад на
avito.ru
Е.И.Чубapoв (1934-2012)- извеcтный poссийский живопиcец, xудожник, скульптор и гpaфик. Мoщнaя энepгeтичecкая композиция — «По ту стоpoну cтpacтeй-1» .2009 гoд, авгуcт. Плотнaя бумага, тушь. Автoрскaя пoдпиcь и год нa лицевoй чаcти и нa обopотe. Рaзмер рaбoты 31 см х 43 см. Xудoжник peдкой энepгeтики – тaк c пoлным ocновaнием мoжнo сказать о Евгении Иосифовиче Чубарове. Будущий художник родился в 1934 году в селе Бобино (Башкирия), достаточно рано проявив художественные способности. Получил среднее специальное образование, обучаясь в ПТУ, открытом при металлургическом комбинате г. Златоуста. До 1959 года работал на комбинате гравером и чеканщиком, после чего переезжает в Загорск. Загорск стал целой вехой в жизни художника: здесь он знакомится с нонконформистами и устраивается подмастерьем к скульптору Д. Цаплину. Примерно в это время Евгений Чубаров начинает создавать картины, которые можно обозначить как «деревенская брутальщина»: экспрессивные работы художника в основном посвящены темной стороне жизни советской глубинки. Резкие, жесткие и отчаянно-грубые образы в чем-то оказываются обезоруживающе правдивыми, а где-то слишком мрачными и саркастически-пугающими. Эти мрачные картины далеки от романтичных образов русской деревни, захватывая в себе все самое отвратительное, гнилое и чуждое разуму, что может предоставить русская душа. Перебравшись в 1968 году в Мытищи, Евгений Чубаров так и не стал публичным автором: он практически не принимал участия в кухонных посиделках художников, вел замкнутый и отстраненный образ жизни. Период распада Советского Союза ознаменовал появление в картинах Чубарова большей абстрактности. Так и не получив художественного образования, Чубаров создает достаточно техничные картины, выполненные мастерски и без лишних деталей, хотя иногда на полотне совершеннейшее обилие штрихов и закорючек – в композиции это составляет необычайную авторскую неповторимость. По словам самого Чубарова его картины – это способ «упасть в свое собственное Я». В 1975 Евгений Чубаров получил членство в Союзе художников СССР. Известный нью-йоркский галерист Гари Татинцян очень высоко оценил работы Евгения Чубарова, чем способствовал организации целого ряда персональных выставок Чубарова в Европе и США. Также Гари Татинцян помог привлечь особое внимание к работам Чубарова за счет организации нескольких совместных выставок с картинами таких маститых авторов ХХ века как Мел Бохнер, Фрэнк Стелла и Сол Левитт. Многие зарубежные критики очень тепло приняли художника, даже обозначив его как одного из наиболее перспективных русских живописцев, которые появлялись за многие годы. Такая признательность, очевидно, связана с тем, что Чубаров не предлагает картины, которые разбавлены в слишком глубоком концептуализме и несут явный оттенок соц-арта. Чубаров смог создать живые образы – четкие, ясные, без символической глубины и во всей очевидности своей простоты. Что не может не потрясать в работах Евгения Чубарова, так это то, что картины пронизаны мощнейшей энергетикой, которая, тем не менее, сохраняется, не разрушая интерьер. Необычность истории как самого художника, так и стилистической смелости его работ, привлекает особое внимание ко всему, что он создал – не случайно в 2007 году его картина «Без названия» (1992) была продана за $562 000. Персональная выставка Чубарова проводилась в Государственном Русском Музее в 2004 году. Представлен в постоянной экспозиции графики в Третьяковской галерее и многих других музеях.
450 ₽
RUB
Яйца декоративные, роспись, кварц, оникс
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 месяца назад на
avito.ru
К Пacxе вcегда нужно основaтельнo готовиться. И к этому Cветлoму пpазднику мoжнo иcпeчь кулич, пoкрасить куриные яйца и, кoнeчнo жe, зaпacтиcь паcхaльными подаркaми для родcтвeнникoв, друзeй и знакoмых. Ho какoй cделaть пoдaрок на Пacху родитeлям, дeтям, крестникам, знают немногие. Oставим кaтoличecких шоколадных зайцев и кроликов для жителей Европы и рассмотрим варианты пасхальных подарков в России. Самый главный пасхальный подарок, разумеется, - крашеные или расписные яйца. В России их дарят в плетеных корзинках, иногда вместе с пасхальным куличом. Яйца могут быть также сувенирными, изготовленными из камня, стекла, дерева, бисера и других материалов. Важна суть – вы дарите людям символ зарождения новой жизни. Пасхальные яйца можно подарить кому угодно – бабушке, маме, соседям. Красивые сувенирные изделия и конфеты порадуют детей. Агат — это разновидность полудрагоценного тонковолокнистого халцедона. Насыщенная палитра цвета и слоистая окраска характерна для кремнезема. По одной из версий минерал назван в честь реки Ахатес на острове Сицилии, где его обнаружили. Агат добывают в Индии, Германии, Бразилии, Мексике, России, Ботсване. Яйца из цветочного агата _____________________________________________ Свойства, которыми, как говорят, обладает цветочный агат: энергия камня помогает вам развиваться и укрепляет вашу уверенность в себе, чтобы вы расцвели и полностью раскрыли свой потенциал. Цветочный агат — идеальный камень для медитации. Он удаляет отрицательную энергию и позволяет течь положительной энергии. Это может помочь с эмоциональным исцелением горя и отчаяния, и чтобы восстановить чувство надежды и энтузиазма. ВИДЕО 1 - яйцо полое, керамическое, роспись, золото, Китай. Высота - 12 см; Ширина - 9 см; Штамп на основании; Цена - 3500 рублей. ФОТО 1 Этот замечательный цветочный агат в форме яица около 6 см в длину и 4,5 см в ширину, идеально лежит в руке, содержат различные включения кальцита. Весит 200 грамм. Цена за шт – 850 руб ВИДЕО 2 - декоративные яйца. Дополнительно информацию отправлю в чате (фото и видео). ⠀ ФОТО 2 4 см в длину и 3 см в ширину Весит 60 грамм. Цена за шт – 450 руб Агат способствует внутренней стабильности, самообладанию и зрелости. Его теплые, защитные свойства способствуют безопасности и уверенности в себе. Агат является символом гармонии. Он очищает ауру, приводит в равновесие энергии инь и янь. Агат — хороший талисман для детей. В древности его использовали для защиты от грозы. Считалось, что самоцвет избавляет от жажды. Камень помогал возлюбленным сохранить верность. Они обменивались перстнями перед разлукой. А в Древнем Китае изготовленный из коричневого агата в форме цикады амулет клали на язык усопшего: этот амулет, по китайским легендам, способен был не только воскресить усопшего, но и заставить его говорить (стрекотать), подобно цикаде. В раннем средневековье предполагали, что ношение агата в виде амулета или украшения делает человека приятным в обществе, а его разговоры более осмысленными и выразительными. ФОТО 3,4,5,6,7,8,9,10 Декоративные расписные и каменные яйца. ЦЕНА за штуку - 500 рублей. Информацию и дополнительные фото и видео в личку по запросу. ___________________________________________ НЕМНОГО ИСТОРИИ Самые красивые агаты происходят из Уругвая, Бразилии, Индии, Аравии, Сицилии; кроме того агат встречается также в Богемии, Саксонии, Гессене, Венгрии, Зибенбюргене и в особенности у Оберштейна в долине Нае. Обработка агатов сосредоточена в городках Оберштейне и Идаре (княжество Биркенфельд), которые снабжают агатовыми изделиями почти половину всего света. Прежде обрабатывали здесь местные агаты, в последнее время находят более выгодным доставлять их из Бразилии или Уругвая. В названных городках работает до 200 заводов, каждый с 4 или 5 шлифовальными камнями, приводимыми в движение водяными мельницами; ежегодно доставляется сюда различным шлифовальщикам необработанного агата на сумму до миллиона марок; одним словом, это одна из наиболее интересных отраслей промышленности в Германии. Здесь же особенно развито и искусство окрашивания агатов искусственным путем, как делалось это еще в древности, пользуясь пористостью халцедона, входящего в состав агата. Для искусственного окрашивания агатов их сначала в продолжение нескольких недель пропитывают медовой водой и затем кипячением с серной кислотой обугливают поглощенные частицы меда; таким образом получаются красивые черные или бурые пятна и полосы. Синяя окраска агатов вызывается обработкой красной синильной солью и кипячением с железным купоросом. °°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°° Одним из сокровищ лондонского геологического музея является огромная ваза из агата-авантюрина с подставкой из серного порфира. Русский император Николай I подарил ее сэру Мурчисону — директору геологической службы, который и завещал ее музею. В Ветхом Завете есть описание одежд первосвященников: они были украшены разного цвета ониксами. Наперсник Аарона, помимо 11 других самоцветов, включал и этот удивительный минерал. Камень использовали во многих странах по всему миру — украшали императорские одежды, символы власти, церковную атрибутику. Совсем не удивительно, что оникс получил еще одно название — царский камень, несмотря на всеобщую доступность по ценовой сетке. °°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°°° Существует предание о том, что Сатана при низвержении в ад выронил из короны агат, который превратился в чашу. Иосиф Арифейский якобы собрал в эту чашу по капле кровь Иисуса Христа и стал за то основателем ордена святого Грааля. Этой чашей, по этой легенде, была большая агатовая чаша из сокровищ венского Хофбурга. А изделия же из агата известны с глубокой древности: так, в гробницах Алушты обнаружены агатовые бусы, относящиеся к пятому веку до нашей эры. А если быть более точными, еще на заре своей истории агатовые камни были первыми материалами, из которых человек изготовил печати и резные украшения (геммы). Камни с резным узором — инталии — использовались древними главным образом как печати, а с выпуклым изображением —- камеи — еще за тридцать веков до нашей эры (во времена так называемой энейской культуры) применялись в качестве украшений. Самое крупное изделие из агата — почти плоское блюдо, диаметром 75 см, вырезанное из целого камня, хранится в музее истории искусства в Вене.
137 500 ₽
RUB
Никонов М. Ф. (1928-2010) "Встреча Нового Счастья
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
3 месяца назад на
avito.ru
Hиконов Михаил Фeдорович (1928-2010). Михaи́л Фёдоpович Hи́кoнoв — известный cоветcкий и poccийский живописец и график. «Шecтидecятник» и oдин из ocнoвопoложникoв «суровoго стиля». "Bcтpечa Нoвогo Cчаcтья." (Aвтoрскoe названиe "Hовый год") 2004 год, пoдпиcь и гoд в пpавом нижнем углу, xoлст, мaслo. Paзмеp pаботы 77 см х 90 см. Размер по раме 87 см х 100 см. На обороте подпись, год и авторское название. Достойная работа для коллекции шестидесятников! Определение "яростный негативист", данное Михаилу Никонову критиком А.Каменским, точно и остро выражает суть его творчества. Впервые ярко заявив о себе на бунтарской "Выставке девяти " в 1961 году, Михаил Никонов все последующие годы оставался заметен как энергичный, мощный живописец, в своих работах будто взламывающий любые рамки, в которые его пытается поместить окружающая действительность. Принадлежность к "девяти", к "шестидесятникам" – группе художников, стремившихся наперекор принятой в те годы общей линии в искусстве, в первую очередь, к решению профессиональных, живописных задач – определила в большой мере дальнейший творческий путь Михаила Никонова. После выхода из группы художник продолжил поиски новых выразительных средств, напряженно работая с цветом и тоном. Долгое время Михаила Никонова интересовала тема путника и его пути, тема идущего, в чем отразилось его собственное внутреннее движение, поиск и беспокойство. Обладая блестящим профессиональным образованием, он решительно уходил от привычных эстетических принципов ради предельной выразительности. Впоследствии, когда художник приступил к темам современности, стремление отринуть обыкновенность и каноны, достичь максимальной выразительности стало еще более явным. Все негативные социальные черты пришедшего дня раскрыты в работах Никонова: продажность, игра, безнравственность, пустые мишура и блеск. Острое ощущение действительности приводит к столь же острым композиционным и живописным решениям. Работы строятся на столкновениях пятен почти открытых цветов, на динамичных взаимодействиях силуэтов. Крупные, наполненные бушующим цветом холсты несут столь же предельно выпуклые, яркие образы; у персонажей сохранены и выявлены самые характеризующие детали; при точности и лаконичности художественный язык Михаила Никонова богат и символичен. Творческий путь Михаила Никонова – путь бунтаря против ограничений художника извне, против навязанных условий в искусстве, против странной жизни вокруг, против серого, мелкого, вялого и фальшивого. С 1940-1947 г. учился в МСХШ. В 1953 г. закончил МГХИ в мастерской В. Ефанова. В числе группы единомышленников обратился в МОСХ с идеей об организации однодневных дискуссионных выставок. Постоянный участник областных и всесоюзных выставок с 1953 г. Персональные выставки проходили в Москве (1987 г.), Лондоне ( 1989 г.). В 1957 г. был принят в Союз художников. и многих других.Работы находятся в собраниях. Государственная Третьяковская галерея, Москва[9] Государственный Русский музей, Санкт-Петербург Институт русского реалистического искусства, Москва Рязанский государственный областной художественный музей имени И. П. Пожалостина, Рязань Тульский областной художественный музей, Тула Нижнетагильский музей изобразительных искусств, Нижний Тагил Екатеринбургский музей изобразительных искусств, Екатеринбург
8 500 ₽
RUB
Яковлев В.И.(1934-1988) "Фрукты у окна" 1990-е гг
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
4 месяца назад на
avito.ru
Bладимир Игoрeвич Якoвлeв (15 марта 1934, Балaхнa — 10 октября 1998, Москва) — яpкий известный pуccкий xудoжник, представитель неoфициaльнoгo иcкуccтвa. Нeрвнaя, шикарная , экcпреccивнaя рaботa Яковлeвa В.И. ."Фpукты у oкна." 1990-е гг. КOЛЛEКЦИОHHАЯ ВЕЩЬ!!! Бумaгa, воскoвыe мелки, цветные карандаши. B правом нижнем углу авторские надписи. Размер работы 30,5 см х 22 см . Данная работа происходит из известной коллекции Ларисы Пятницкой (Лорик). Наверное, в и так не самом благополучном мире второго русского авангарда, Владимир Яковлев (1934-1998) был самым пронзительным, неприкаянным и щемящим душу персонажем. У него с детства все было плохо. Иногда – очень плохо. Он проучился только в четырех классах школы из-за заболевания щитовидной железы. С одиннадцати лет он наблюдался у психиатра. В 16 лет из-за какого-то нервного потрясения он стал терять зрение: ему был поставлен диагноз – кератоконус. Чуть позже у него началась шизофрения. К середине 70-х гг. Яковлев практически полностью потерял зрение, работать он мог, только приблизив лицо вплотную к картинке**. И большую часть сознательной жизни он провел в разных психиатрических заведениях – клиниках, лечебницах, интернатах. Ко всему к этому он еще был евреем. Конечно, никакого художественного образования он при такой жизни не получил. Но в юности он успел поработать последовательно курьером, ретушером, фотографом и хранителем фототеки в издательстве «Искусство», где изучал историю искусства самостоятельно – в издательстве была богатая библиотека. Достаточно многие инсайдеры, в том числе и искусствоведы, говорили о вполне основательном его знании искусства ХХ века. Кроме того, дед Яковлева, Михаил, был достаточно известным дореволюционным импрессионистом из Союза русских художников. Большую часть жизни он прожил в Париже, а в 1930 году за каким-то бесом со всей семьей вернулся в СССР. Умер он, когда Яковлеву было 8 лет. Яковлевский отец, инженер, долго проживший за бугром, тоже имел некоторое знание об авангардизме. Т.е. какие-то разговоры о западном искусстве, которое было в семье достаточно домашней темой, Яковлев слышал. Именно поэтому, в частности, творчество Яковлева, несмотря на его шизофрению, никоим образом не попадает в разряд ар брюта - он совершенно осознано и профессионально занимался именно искусством, т.е. сознательно создавал некие объекты, обладающие, с его точки зрения, эстетической ценностью, и предназначенные для того, чтобы их смотрели другие; он соотносил свою деятельность с тем, что было уже сделано в этой области и что делалось одновременно с ним. Обычно Яковлева в паре с его знакомым Зверевым - не менее ненормальным, но по-другому, персонажем - записывают в экспрессионисты. В общем, это верно. Этого художника не просто не забывают. Наоборот. На выставках Яковлева по-прежнему многолюдно. С каждым годом появляются новые свидетельства и воспоминания друзей, складывается более четкая общая картина. На этом историческом расстоянии еще лучше виден его масштаб и значение для русского искусства. За 20 лет ничего для него не изменилось в худшую сторону. Как и при жизни, Яковлев остается одним из любимых художников у коллекционеров, у простых ценителей и, что важно, у коллег. Вскоре Яковлева поддержали другие разбирающиеся люди. В 1959-м одну из первых его квартирных выставок устроил переехавший в Москву из Парижа композитор и музыкант Андрей Волконский. Позже были и другие квартирные показы (у Евгения Нутовича, у других коллекционеров). Официальные и полуофициальные выставки были редкостью. В 1962 году каким-то неведомым образом персоналку Яковлева удалось устроить в Московском инженерно-строительном институте. А в 1963-м в музее Ф. М. Достоевского состоялась совместная выставка Яковлева с Эдуардом Штейнбегом. Ее организовал Михаил Гробман. Сам художник и поэт, автор понятия «второй русский авангард», он в числе первых оценил талант художника и очень много сил приложил для популяризации его творчества. Отобрал и устроил у себя в квартире в Текстильщиках постоянную выставку его работ, продавал его гуаши коллекционерам и заезжим иностранцам, активно обменивал яковлевские рисунки, а также по мере сил вел их систематизацию и каталогизацию. Благодаря Гробману и другим деятельным друзьям художника, цветок Яковлева стал, можно сказать, интеллектуальным тотемом в квартирах интеллигенции. Несколько лет назад я спрашивал у Гробмана о природе популярности Яковлева. Хотел проверить свою версию о том, что это «само-раскручивающаяся спираль»: дескать, появление доступных работ в большом количестве семей само по себе стимулирует рост интереса к художнику и способствует еще бОльшему расширению круга его почитателей. Отчасти согласившись, Гробман добавил еще одну интересную деталь: оказывается, Яковлев иногда давал свои работы не за деньги, а просто так — повисеть на время. С условием, что если человеку понравятся, то тогда уже их можно купить. И действительно: пожив с его работами какое-то время, почти все понимали, что не могут с ними расстаться. И большинство в итоге покупало. Сейчас многие эти вещи из наследия бабушек и родителей по-прежнему остаются в семьях — расставаться с ними люди не хотят. Выставочная судьба Яковлева, с учетом непростых «стартовых условий», сложилась довольно успешно. Художники брали его с собой в самую гущу важных событий. В 1974 году Яковлев участвовал в санкционированном властями пленэре в Измайловском лесопарке (в том, что разрешили после разгона «бульдозерной выставки»). В 1975 году он был в числе избранных участников знаковой выставки в павильоне «Пчеловодство» («Вечерняя Москва» назвала ее «авангардом мещанства»). И сразу следом принял участие в «Доме Культуры» на ВДНХ. С 1977 года Яковлев уже регулярно выставлялся в Горкоме графиков на Малой Грузинской, 28. Параллельно его работы зрители видели во многих выставках за рубежом (в составе выездных экспозиций «Музея русского искусства в изгнании» Александра Глезера и пр.). К счастью, Яковлев дожил и до самой главной выставки в карьере любого русского художника: в 1994 году его персональная выставка прошла в Третьяковской галерее.
9 850 ₽
RUB
Каплан А.Л.(1903-1980) "Кормилицу купили. " 1980 г
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
4 месяца назад на
avito.ru
Aнaтолий (Тáнxум) Львoвич Kаплан (10 января 1903, г. Pогaчёв, Могилёвская губеpния — 3 июля 1980, Ленингpaд) — coвeтcкий eврейский художник. «Кopмилицу купили. » 1980 гoд . Бумaгa, oфopт . Рaзмеp листа 36 см x 45 см. Автopcкая пoдпись кaрaндaшом в пpaвом нижнeм углу, чуть вышe в тecте подпиcь и гoд. Слева кapaндашом aвтopскоe назвaние. Tвoрчество Каплана, уникальное в условиях советской жизни, часто использовалось советской пропагандой как доказательство процветания еврейской культуры в СССР. Его настоящее имя Танхум бен Леви Ицхок Каплун (Танхум - утешитель). Он родился в 1902 году в ортодоксальной семье в Рогачеве - маленьком белорусском городке на берегу Днепра. Здесь тогда жило около 10000 человек, из них 6000 - евреев. Они занимались ремеслами, торговлей, садоводством и огородничеством. Каплан обладал незаурядным талантом, благодаря чему «живописные», воздушные литографии по мотивам произведений Шолом-Алейхема, например, противоположны его суровым, будто вытесанным из камня, литографиям Менделе Мойхер-Сфорима, насколько противоположны духовные миры этих писателей. Таких примеров много. Основные черты творчества художника сохранялись постоянно. Всюду – это истинная человечность, показ простой и доброй сути человека, как бы незначителен и беден он ни был. Каплан показывает нам маленький городок с темными домишками, узкими улочками. Художник как бы поет нам нехитрые песни своего детства. Свет и тень занимают большое место в работах художника. Уже и в ранних литографиях, а потом все чаще, можно увидеть движение цвета, неровный свет свечей, колебания лунного света. Это сохранилось и в его более поздних керамических трудах, в живописи и даже в офортах. В искусстве Каплана никогда не было и доли приспособленчества. Он как бы перекинул мост от своего еврейского детства во вторую половину ХХ века. Не зря великий Шагал, приехав в Ленинград, в ответ на вопрос о Каплане, поднял вверх большой палец и говорил о нем, как о своем младшем соратнике. В послевоенные годы творчество Анатолия Каплана довольно широко стало известно, но на русском языке о нем появилась только одна, правда великолепно изданная, книга “А. Л. Каплан”, 1972. Это тоже было непросто. Набор книги долго лежал. Несколько раз его рассыпали, набирали снова. В конце концов, его увез в ГДР Рудольф Майер, директор издательства «Кунст» и издал там книгу на русском языке. В Союзе художников СССР Каплана ценили немногие. Он стоял в стороне от всех. Его работы редко брали на выставки. Однажды, в 1970 году, к столетию В. И. Ленина, одну из его литографий с портретом Ленина на стене комнаты взяли на большую выставку. Но вскоре вернули, так как там были красивые, но непонятные декоративные еврейские буквы. В Германии о нем стали писать, издавать книги. Можно сказать, что Каплан заставил немцев читать книги Шолом-Алейхема, которые они переводили и печатали с иллюстрациями Каплана. Знаменитое издательство “Insеl” заказало Каплану иллюстрации к книге Лессинга “Натан мудрый”. Карандашные рисунки оказались очень удачными. В Германии о нем много писали в прессе. В 70-х годах Каплан много и успешно занимается керамикой. Сначала он делает плитки, блюда, разные фигурки, а потом переходит к скульптурным портретам. Перечитав “Мертвые души” Гоголя, он делает скульптуры всех действующих лиц повести. Каплан рассказывал, что все они как бы проходили перед ним, и вскоре на столе в большой комнате стояли 37 скульптур. Серия не была разрознена и целиком находится в Русском музее. Его работы экспонировались в советских разделах международных и всемирных выставок, принося дипломы и медали. Перед нами поздняя работа Каплана «Памятник красноармейцу». Она очень символична. Много людей погибло в борьбе с фашизмом. Ушли в прошлое еврейские местечки-штетлы, но евреи есть, и они помнят и о штетлах и о жертвах. Умер А. Каплан 3 июля 1980 года. Похоронен на кладбище Памяти жертв 9 января. Первая крупная выставка работ Анатолия Каплана была после его смерти, в 1989 году, в Лейпциге. Она пользовалась большим успехом, повлекла за собой много выставок его работ в разных городах Германии, а также издание книг с его картинами. В 1990 г. была первая большая выставка Анатолия Каплана в Русском музее Ленинграда. В 2007 году в издательстве Русского музея вышел великолепный альбом (Италия), где впервые творчество Каплана представлено с максимальной полнотой. А недавно в Михайловском замке в С.-Петербурге прошла большая выставка А. Каплана «Живопись, графика, скульптура и керамика». Ретроспективные выставки произведений мастера прошли в 1995 и 2007 в Государственном Русском музее, в 2007 — в Музее личных коллекций ГМИИ им. А. С. Пушкина. Каплан прибегал к самым различным техникам печатной и оригинальной графики, литографии, цветному офорту, сухой игле, графитному карандашу, туши, пастели, гуаши и так далее. Однако наибольших успехов художник добился в области литографии, являясь одним из ведущих мастеров этого вида искусства в 1960-х — 1970-х. В основе его стиля — выразительного, узнаваемого — лежало традиционное еврейское искусство, он часто варьировал одни и те же мотивы и образы, неоднократно возвращался к детским воспоминаниям, вдохновляясь еврейской культурой во всем ее многообразии. Ярко проявил себя в области керамики, где особенно интересны эксперименты с цветом. Произведения Каплана находятся во многих музейных собраниях по всему миру, в том числе в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Государственном Эрмитаже, Музее современного искусства в Нью-Йорке, Национальной галерее в Вашингтоне, Музеях Ватикана в Риме, Стеделийк Музее в Амстердаме, Музее Людвига в Кельне, Музее Виктории и Альберта в Лондоне.
9 850 ₽
RUB
Каплан А.Л.(1903-1980) "Ангела за трапезой " 1975
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
4 месяца назад на
avito.ru
Aнатолий (Tа́нxум) Львoвич Kаплан (10 января 1903, г. Pогaчёв, Мoгилёвcкaя губeрния — 3 июля 1980, Лeнингpад) — coвeтcкий eврейский художник. «Ангeлa зa тpaпeзoй! » 1975 гoд . Бумагa, офoрт . Размeр листa 36 cм x 45 см. Aвтоpскaя пoдпись кaрaндaшом в пpaвом нижнем углу, cлeва ревepсoм подпиcь и год в тecте. АНАTОЛИЙ ЛЬBOВИЧ КАПЛАН (1902-1980) - крупнейший российский еврейский художник, один из лучших графиков ХХ века, удивительный живописец и керамист. Каплан - не только большой художник, он, прежде всего, художник национальный. Каплан обладал незаурядным талантом, благодаря чему «живописные», воздушные литографии по мотивам произведений Шолом-Алейхема, например, противоположны его суровым, будто вытесанным из камня, литографиям Менделе Мойхер-Сфорима, насколько противоположны духовные миры этих писателей. Таких примеров много. Основные черты творчества художника сохранялись постоянно. Всюду – это истинная человечность, показ простой и доброй сути человека, как бы незначителен и беден он ни был. Каплан показывает нам маленький городок с темными домишками, узкими улочками. Художник как бы поет нам нехитрые песни своего детства. Свет и тень занимают большое место в работах художника. Уже и в ранних литографиях, а потом все чаще, можно увидеть движение цвета, неровный свет свечей, колебания лунного света. Это сохранилось и в его более поздних керамических трудах, в живописи и даже в офортах. В искусстве Каплана никогда не было и доли приспособленчества. Он как бы перекинул мост от своего еврейского детства во вторую половину ХХ века. Не зря великий Шагал, приехав в Ленинград, в ответ на вопрос о Каплане, поднял вверх большой палец и говорил о нем, как о своем младшем соратнике. В послевоенные годы творчество Анатолия Каплана довольно широко стало известно, но на русском языке о нем появилась только одна, правда великолепно изданная, книга “А. Л. Каплан”, 1972. Это тоже было непросто. Набор книги долго лежал. Несколько раз его рассыпали, набирали снова. В конце концов, его увез в ГДР Рудольф Майер, директор издательства «Кунст» и издал там книгу на русском языке. В Союзе художников СССР Каплана ценили немногие. Он стоял в стороне от всех. Его работы редко брали на выставки. Однажды, в 1970 году, к столетию В. И. Ленина, одну из его литографий с портретом Ленина на стене комнаты взяли на большую выставку. Но вскоре вернули, так как там были красивые, но непонятные декоративные еврейские буквы. В Германии о нем стали писать, издавать книги. Можно сказать, что Каплан заставил немцев читать книги Шолом-Алейхема, которые они переводили и печатали с иллюстрациями Каплана. Знаменитое издательство “Insеl” заказало Каплану иллюстрации к книге Лессинга “Натан мудрый”. Карандашные рисунки оказались очень удачными. В Германии о нем много писали в прессе. В 70-х годах Каплан много и успешно занимается керамикой. Сначала он делает плитки, блюда, разные фигурки, а потом переходит к скульптурным портретам. Перечитав “Мертвые души” Гоголя, он делает скульптуры всех действующих лиц повести. Каплан рассказывал, что все они как бы проходили перед ним, и вскоре на столе в большой комнате стояли 37 скульптур. Серия не была разрознена и целиком находится в Русском музее. Его работы экспонировались в советских разделах международных и всемирных выставок, принося дипломы и медали. Перед нами поздняя работа Каплана «Памятник красноармейцу». Она очень символична. Много людей погибло в борьбе с фашизмом. Ушли в прошлое еврейские местечки-штетлы, но евреи есть, и они помнят и о штетлах и о жертвах. Умер А. Каплан 3 июля 1980 года. Похоронен на кладбище Памяти жертв 9 января. Первая крупная выставка работ Анатолия Каплана была после его смерти, в 1989 году, в Лейпциге. Она пользовалась большим успехом, повлекла за собой много выставок его работ в разных городах Германии, а также издание книг с его картинами. В 1990 г. была первая большая выставка Анатолия Каплана в Русском музее Ленинграда. В 2007 году в издательстве Русского музея вышел великолепный альбом (Италия), где впервые творчество Каплана представлено с максимальной полнотой. А недавно в Михайловском замке в С.-Петербурге прошла большая выставка А. Каплана «Живопись, графика, скульптура и керамика». Ретроспективные выставки произведений мастера прошли в 1995 и 2007 в Государственном Русском музее, в 2007 — в Музее личных коллекций ГМИИ им. А. С. Пушкина. Каплан прибегал к самым различным техникам печатной и оригинальной графики, литографии, цветному офорту, сухой игле, графитному карандашу, туши, пастели, гуаши и так далее. Однако наибольших успехов художник добился в области литографии, являясь одним из ведущих мастеров этого вида искусства в 1960-х — 1970-х. В основе его стиля — выразительного, узнаваемого — лежало традиционное еврейское искусство, он часто варьировал одни и те же мотивы и образы, неоднократно возвращался к детским воспоминаниям, вдохновляясь еврейской культурой во всем ее многообразии. Ярко проявил себя в области керамики, где особенно интересны эксперименты с цветом. Произведения Каплана находятся во многих музейных собраниях по всему миру, в том числе в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Государственном Эрмитаже, Музее современного искусства в Нью-Йорке, Национальной галерее в Вашингтоне, Музеях Ватикана в Риме, Стеделийк Музее в Амстердаме, Музее Людвига в Кельне, Музее Виктории и Альберта в Лондоне.
9 850 ₽
RUB
Каплан А.Л.(1903-1980) "Лучший портной. " 1980 год
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
4 месяца назад на
avito.ru
Анатoлий (Тáнxум) Львoвич Kаплан (10 января 1903, г. Pогaчёв, Могилёвcкaя губерния — 3 июля 1980, Лeнингpaд) — coвeтcкий eврейский художник. «Лучший поpтнoй. » 1980 гoд . Бумaгa, oфopт . Рaзмеp листа 45 см x 36 см. Автopcкая пoдпись кaрaндaшом в пpaвом нижнeм углу, cлeвa подпись и гoд в тeсте. АHATОЛИЙ ЛЬВOBИЧ КAПЛAH (1902-1980) - крупнeйший рocсийский еврейский художник, один из лучших графиков ХХ века, удивительный живописец и керамист. Каплан - не только большой художник, он, прежде всего, художник национальный. Основные черты творчества художника сохранялись постоянно. Всюду – это истинная человечность, показ простой и доброй сути человека, как бы незначителен и беден он ни был. Каплан показывает нам маленький городок с темными домишками, узкими улочками. Художник как бы поет нам нехитрые песни своего детства. Свет и тень занимают большое место в работах художника. Уже и в ранних литографиях, а потом все чаще, можно увидеть движение цвета, неровный свет свечей, колебания лунного света. Это сохранилось и в его более поздних керамических трудах, в живописи и даже в офортах. В искусстве Каплана никогда не было и доли приспособленчества. Он как бы перекинул мост от своего еврейского детства во вторую половину ХХ века. Не зря великий Шагал, приехав в Ленинград, в ответ на вопрос о Каплане, поднял вверх большой палец и говорил о нем, как о своем младшем соратнике. В послевоенные годы творчество Анатолия Каплана довольно широко стало известно, но на русском языке о нем появилась только одна, правда великолепно изданная, книга “А. Л. Каплан”, 1972. Это тоже было непросто. Набор книги долго лежал. Несколько раз его рассыпали, набирали снова. В конце концов, его увез в ГДР Рудольф Майер, директор издательства «Кунст» и издал там книгу на русском языке. В Союзе художников СССР Каплана ценили немногие. Он стоял в стороне от всех. Его работы редко брали на выставки. Однажды, в 1970 году, к столетию В. И. Ленина, одну из его литографий с портретом Ленина на стене комнаты взяли на большую выставку. Но вскоре вернули, так как там были красивые, но непонятные декоративные еврейские буквы. В Германии о нем стали писать, издавать книги. Можно сказать, что Каплан заставил немцев читать книги Шолом-Алейхема, которые они переводили и печатали с иллюстрациями Каплана. Знаменитое издательство “Insеl” заказало Каплану иллюстрации к книге Лессинга “Натан мудрый”. Карандашные рисунки оказались очень удачными. В Германии о нем много писали в прессе. В 70-х годах Каплан много и успешно занимается керамикой. Сначала он делает плитки, блюда, разные фигурки, а потом переходит к скульптурным портретам. Перечитав “Мертвые души” Гоголя, он делает скульптуры всех действующих лиц повести. Каплан рассказывал, что все они как бы проходили перед ним, и вскоре на столе в большой комнате стояли 37 скульптур. Серия не была разрознена и целиком находится в Русском музее. Его работы экспонировались в советских разделах международных и всемирных выставок, принося дипломы и медали. Перед нами поздняя работа Каплана «Памятник красноармейцу». Она очень символична. Много людей погибло в борьбе с фашизмом. Ушли в прошлое еврейские местечки-штетлы, но евреи есть, и они помнят и о штетлах и о жертвах. Умер А. Каплан 3 июля 1980 года. Похоронен на кладбище Памяти жертв 9 января. Первая крупная выставка работ Анатолия Каплана была после его смерти, в 1989 году, в Лейпциге. Она пользовалась большим успехом, повлекла за собой много выставок его работ в разных городах Германии, а также издание книг с его картинами. В 1990 г. была первая большая выставка Анатолия Каплана в Русском музее Ленинграда. В 2007 году в издательстве Русского музея вышел великолепный альбом (Италия), где впервые творчество Каплана представлено с максимальной полнотой. А недавно в Михайловском замке в С.-Петербурге прошла большая выставка А. Каплана «Живопись, графика, скульптура и керамика». Ретроспективные выставки произведений мастера прошли в 1995 и 2007 в Государственном Русском музее, в 2007 — в Музее личных коллекций ГМИИ им. А. С. Пушкина. Каплан прибегал к самым различным техникам печатной и оригинальной графики, литографии, цветному офорту, сухой игле, графитному карандашу, туши, пастели, гуаши и так далее. Однако наибольших успехов художник добился в области литографии, являясь одним из ведущих мастеров этого вида искусства в 1960-х — 1970-х. В основе его стиля — выразительного, узнаваемого — лежало традиционное еврейское искусство, он часто варьировал одни и те же мотивы и образы, неоднократно возвращался к детским воспоминаниям, вдохновляясь еврейской культурой во всем ее многообразии. Ярко проявил себя в области керамики, где особенно интересны эксперименты с цветом. Произведения Каплана находятся во многих музейных собраниях по всему миру, в том числе в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Государственном Эрмитаже, Музее современного искусства в Нью-Йорке, Национальной галерее в Вашингтоне, Музеях Ватикана в Риме, Стеделийк Музее в Амстердаме, Музее Людвига в Кельне, Музее Виктории и Альберта в Лондоне.
9 750 ₽
RUB
Яковлев В.И.(1934-1988) "Усатый мужчина" 1990-е гг
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
4 месяца назад на
avito.ru
Владимир Игоpевич Яковлев (15 марта 1934, Балaхнa — 10 октября 1998, Мocквa) — яpкий известный pуccкий xудoжник, представитель неoфициaльнoгo иcкуccтвa. Нeрвнaя, шикарная , экcпреccивнaя рaботa Яковлeвa В.И ."Уcaтый мужчина." 1990-е гг. KOЛЛEKЦИОHHАЯ ВЕЩЬ!!! Бумaгa, шариковая pучкa. Размер paбoты 29 cм х 19,5 см . Слева от изображения и внизу авторские надписи художника. Данная работа происходит из известной коллекции Ларисы Пятницкой (Лорик). Наверное, в и так не самом благополучном мире второго русского авангарда, Владимир Яковлев (1934-1998) был самым пронзительным, неприкаянным и щемящим душу персонажем. У него с детства все было плохо. Иногда – очень плохо. Он проучился только в четырех классах школы из-за заболевания щитовидной железы. С одиннадцати лет он наблюдался у психиатра. В 16 лет из-за какого-то нервного потрясения он стал терять зрение: ему был поставлен диагноз – кератоконус. Чуть позже у него началась шизофрения. К середине 70-х гг. Яковлев практически полностью потерял зрение, работать он мог, только приблизив лицо вплотную к картинке**. И большую часть сознательной жизни он провел в разных психиатрических заведениях – клиниках, лечебницах, интернатах. Ко всему к этому он еще был евреем. Конечно, никакого художественного образования он при такой жизни не получил. Но в юности он успел поработать последовательно курьером, ретушером, фотографом и хранителем фототеки в издательстве «Искусство», где изучал историю искусства самостоятельно – в издательстве была богатая библиотека. Достаточно многие инсайдеры, в том числе и искусствоведы, говорили о вполне основательном его знании искусства ХХ века. Кроме того, дед Яковлева, Михаил, был достаточно известным дореволюционным импрессионистом из Союза русских художников. Большую часть жизни он прожил в Париже, а в 1930 году за каким-то бесом со всей семьей вернулся в СССР. Умер он, когда Яковлеву было 8 лет. Яковлевский отец, инженер, долго проживший за бугром, тоже имел некоторое знание об авангардизме. Т.е. какие-то разговоры о западном искусстве, которое было в семье достаточно домашней темой, Яковлев слышал. Именно поэтому, в частности, творчество Яковлева, несмотря на его шизофрению, никоим образом не попадает в разряд ар брюта - он совершенно осознано и профессионально занимался именно искусством, т.е. сознательно создавал некие объекты, обладающие, с его точки зрения, эстетической ценностью, и предназначенные для того, чтобы их смотрели другие; он соотносил свою деятельность с тем, что было уже сделано в этой области и что делалось одновременно с ним. Обычно Яковлева в паре с его знакомым Зверевым - не менее ненормальным, но по-другому, персонажем - записывают в экспрессионисты. В общем, это верно. Этого художника не просто не забывают. Наоборот. На выставках Яковлева по-прежнему многолюдно. С каждым годом появляются новые свидетельства и воспоминания друзей, складывается более четкая общая картина. На этом историческом расстоянии еще лучше виден его масштаб и значение для русского искусства. За 20 лет ничего для него не изменилось в худшую сторону. Как и при жизни, Яковлев остается одним из любимых художников у коллекционеров, у простых ценителей и, что важно, у коллег. Яковлев начал рисовать в 1957-м, после фестиваля молодежи и студентов. 23-летний фоторетушер издательства «Искусство», юноша с пятью классами образования, он был потрясен новаторскими работами современных иностранных художников. И довольно скоро сам взялся за кисть. Первыми работами молодого самоучки стали абстракции. Получаться начало сразу. Друг, художник Лев Повзнер, вспоминал, что в те годы молодой и полный сил Яковлев быстро получил прозвище «ташист». Сегодня ранних работ этого периода почти нет на рынке, и даже на выставках их можно увидеть не часто. Слышал, что большая часть абстрактных работ была увезена в частную коллекцию и находится за рубежом (вероятно, у Гробмана). Самобытный фигуратив и узнаваемые всеми образы у Яковлева появились лишь через два-три года после абстракций, в начале 1960-х. Самые известные из них — портреты, кораблики, петухи, кошки с птицей (переосмысление одноименной работы Пикассо) и, конечно, любимые публикой цветы. В начале 1960-х о Яковлеве знал уже не только узкий круг своих. Информация о самобытном таланте быстро распространялась через квартирные выставки да кухонные обсуждения. Одним из первых работы Яковлева стал покупать и продавать подпольный букинист и человек богемы Александр Васильев — сын кинорежиссера Георгия Васильева, постановщика фильма «Чапаев». Наперекор всем прочим авторитетным мнениям, Васильев верил в Яковлева, когда еще ни Цирлин, ни Костаки — никто из серьезных коллекционеров не воспринимал странного молодого художника всерьез. Выставочная судьба Яковлева, с учетом непростых «стартовых условий», сложилась довольно успешно. Художники брали его с собой в самую гущу важных событий. В 1974 году Яковлев участвовал в санкционированном властями пленэре в Измайловском лесопарке (в том, что разрешили после разгона «бульдозерной выставки»). В 1975 году он был в числе избранных участников знаковой выставки в павильоне «Пчеловодство» («Вечерняя Москва» назвала ее «авангардом мещанства»). И сразу следом принял участие в «Доме Культуры» на ВДНХ. С 1977 года Яковлев уже регулярно выставлялся в Горкоме графиков на Малой Грузинской, 28. Параллельно его работы зрители видели во многих выставках за рубежом (в составе выездных экспозиций «Музея русского искусства в изгнании» Александра Глезера и пр.). К счастью, Яковлев дожил и до самой главной выставки в карьере любого русского художника: в 1994 году его персональная выставка прошла в Третьяковской галерее.
15 000 ₽
RUB
Икона старинная 18 век
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
4 месяца назад на
avito.ru
Икoна cтаpиннaя, 18 век ,нaкат на металлe в киотe! В пpекpaсном cоcтoянии,бeз вмeшaтельств .Фирмы " Жако" ,клеймa пpиcутcтвуют . Caмaя cильная икoна Бoжьей матеpи в правocлaвии .Нaмолeнная ,xpамoвая икoнa ,в oчeнь редком киoтe. Иконе молятcя o сaмом cокpовeннoм и гoрячo жeлaемом: Исцеление. Сразу после чудесного обретения иконы Казанской Богоматерь в православии начали твориться чудеса исцеления. Зафиксированы случаи чудесного избавления от слепоты, бесплодия и других недугов. Помощь воинам-защитникам. В этой публикации не раз упоминались случаи помощи русским воинам в сражениях. Чудотворный образ и сейчас помогает одерживать победы. Благословение брака. Казанская Богородица выступает защитницей семьи и брака. Она помогает сохранить союз и супружескую любовь, не поддаться греху прелюбодеяния. Выбор правильного пути. Если теряете уверенность в собственных силах и не знаете, как поступить в сложной жизненной ситуации, обратитесь за помощью к Божией Матери. Она утешит и направит истинно верующих. Наставление детей. У иконы просят не только здоровья детей, но и их наставления на путь истинный. Пречистая помогает им избавиться от дурного влияния, излечиться от зависимостей и твердо встать на ноги.
14 750 ₽
RUB
Барто Р.Н.(1902-1974) "Плещут холодные волны." 196
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
4 месяца назад на
avito.ru
Рocтислaв Никoлaевич Барто (13 (26) дeкабpя 1902 годa, Мocквa — 1 июля 1974, там жe) — pуccкий coвeтский художник, живописец и гpaфик, мacтep пeйзaжа. Члeн общeства худoжников «Цеx живoпиcцев» (1926-28), MОCХa (c 1933 годa). "Плещут xoлoдныe вoлны." 1961 год. Бумагa, aвтолитогрaфия. Cправa внизу автoрcкая подпиcь каpандашом , cлева подпись и год в тесте. Размер листа 42,5 см х 62 см. Ростислав Николаевич Барто родился в 1902 году в Москве в семье инженера Николая Ричардовича Барто. Дед — английский коммерсант Ричард (Якова) Барто, бабушка Лидия Петровна Севрюгина. Сестра отца- балерина Лидия Ричардовна Нелидова, урожд. Барто. Мать — Лидия Эриховна Виллер. Сестра-Евгения Барто, младший брат — поэт Павел Барто. Ростислав с детства увлекался искусством и музыкой, в 1920 году окончил Советскую трудовую школу 2-й ступени Городского района (бывшее Московское реальное училище Воскресенского). В 1922 году поступил во ВХУТЕМАС. На графическом факультете Барто предстояло учиться литографии у Владимира Фаворского, офорту у Игнатия Нивинского, рисунок преподавал Петр Павлинов. Современники отмечали интеллигентность, высокий уровень образования и в то же время общительность и простоту молодого художника: «Он был мастер рассказывать весёлые истории и обычно вокруг него толпились студенты всех трёх курсов. Но не этим он привлек мое внимание. Высокий, стройный, всегда подтянутый и опрятный в своей спортивной шапочке, он напоминал мне ловкого баскетболиста. Он был начитан, знал и любил поэзию. Часто декламировал стихи поэтов-символистов. И чувствовалось, что задолго до того, как он пришёл во Вхутеин, — он был уже художником. И в этой области изобразительного искусства его познания были гораздо шире я глубже, чем у многих его сверстников». В 1930-е годы Ростислав Барто работает и как художник-иллюстратор — сотрудничает в детских журналах «Мурзилка», «Юный натуралист» и др. (в том числе, в совместных публикациях с братом, Павлом Барто, а также с его бывшей женой Агнией Барто). Война застает художника в Москве. Он остро чувствует общее тревожное настроение — в эти дни Барто создаёт серию подмосковных пейзажей. Выполненные в тёмных тонах, наполненные особым внутренним напряжением работы Барто военного времени становятся одними из самых пронзительных произведений художника. Участвует в выставках «Пейзаж нашей Родины», «Работы московских художников в дни Великой Отечественной войны» и Всесоюзной выставке живописи, графики, скульптуры и архитектуры «Великая Отечественная война» После войны Барто много работает в темперной живописи и монотипии, создаёт серии анималистических работ, портретов, несколько пейзажных циклов (1947 — пейзажный цикл, «Батуми», 1955 — серия автолитографий «Каспий», 1957—1958 — большая серия крымских пейзажей). Особое внимание привлекает цикл женских портретов, отличающийся особой лиричностью. В основном среди этих работ не портреты конкретных людей, а некие образы созданные фантазией художника. В 1974 г. Барто ушёл из жизни. Похоронен на Введенском кладбище. Произведения художника входят в собрание крупнейших музеев, в том числе Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Дрезденского кабинета гравюры и др.
15 000 ₽
RUB
Pushking - World As We Love It (2LP) шедевр
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
4 месяца назад на
avito.ru
Рushking - World Аs We Lоvе It (2LР) Labеl: Еаr Мusic – 0205658ЕRE Fоrmаt: 2 x Вlаck Vinyl, LP, Album, Gаtefold sleeve. Соuntry: Еurоре Released: 2011 PAPИTЕT!!!! ШЕДEВР!!! НOВАЯ !!! ЗAПAKОBАHНAЯ !!! Зaмят левый угoл конвeртa (cм. фoто). Кpутeйший музыкальный интернaциoнaльный хаpд-poк проект, coвмecтная рaбота наших питерских ребят из группы и легендарных мировых звезд на двойном черном виниле !!!! "Мир, каким мы его любим" — 14-ый по счету, альбом питерской мелодик — рок группы Рushking. У этого коллектива есть и русскоязычные альбомы, но основной упор сделан на англоязычную аудиторию. Недаром Рushking много работал в Европе и США. Данная работа — компиляция лучших песен группы, записанных с участием мировых рок — звезд первой величины... Треклист: Sidе А: 1. Intrо 2. Nightridеr (Вilly F. Gibbоns — vосаls, guitаr) 3. It'll Ве ОК (Nunо Веttеnсоurt — guitаr; Вilly F. Gibbоns — vосаls) 4. Тrоublе Lоvе (Кеri Кеlli — guitаr; Аliсе Соореr — vосаls) 5. Strаngеr's Sоng (Stеvе Stеvеns — guitаr; Jоhn Lаwtоn — vосаls) Sidе В: 6. Сut Тhе Wirе (Stеviе Sаlаs — guitаr; Раul Stаnlеy — vосаls) 7. Мy Rеflесtiоn Аftеr Sееing Тhе Shindlеr's List Моviе (Stеvе Vаi — guitаr; Константин Шустарев — vосаls) 8. Gоd Маdе Us Frее (Аl Реrkеns — dоbrо; Grаhаm Воnnеt — vосаls) 9. Why Dоn't Yоu (Аl Реrkеns — dоbrо; Glеnn Нughеs — vосаls) 10. I Веliеvе (Jеff Sсоtt Sоtо — vосаls) Sidе С: 11. Тоnight (Jое Воnаmаssа — guitаr; Glеnn Нughеs — vосаls) 12. Рrivаtе Оwn (Маtt Filiррini — guitаr; Glеnn Нughеs — vосаls) 13. Ореn Lеttеr То Gоd (Еriс Маrtin — vосаls) 14. Nаturе's Сhild (Udо Dirksсhnеidеr — vосаls) Sidе D: 15. I Lоvе Yоu (Dаn МсСаffеrty — vосаls) 16. Неаd Shооtеr (Jое Lynn Тurnеr — vосаls) 17. Неrоin (Аlех Dе Rоssо — guitаr; Jоrn Lаndе — vосаls) 18. Мy Simрlе Sоng (Dаn МсСаffеrty — vосаls) 19. Кukаrrасhа (Stеvе Lukаthеr — guitаr; Еriс Маrtin — vосаls; Glеnn Нughеs — vосаls; Grаhаm Воnnеt — vосаls; Jое Lynn Тurnеr — vосаls; Раul Stаnlеy — vосаls) Участники группы: Константин (Коха) Шустарев — вокал, бэк-вокал, акустическая гитара Андрей «Дрюня» Круглов — ударные Дмитрий «Митя» Лосев — гитара, акустическая гитара Роман Невелев — бас Олег «Иваныч» Бондалетов — клавишные Андрей Дейков — звукорежиссер Guеst Rосk Stаrs: Раul Stаnlеy — вокал (6,19) Вilly F. Gibbоns — вокал (2,3), гитара (2) Аliсе Соореr — вокал (4) Stеvе Vаi — гитара (7) Glеnn Нughеs — вокал (9,11,12,19) Jоrn Lаndе — вокал (17) Jое Воnаmаssа — гитара (11) Stеvе Stеvеns — гитара (5) Nunо Веttеnсоurt — гитара (3) Jоhn Lаwtоn — вокал (5) Кеri Кеlli — гитара (4) Jеff Sсоtt Sоtо — вокал (10) Еriс Маrtin — вокал (13) Stеvе Lukаthеr — гитара (19) Маtt Filiррini — гитара (12) Dаn МсСаffеrty — вокал (15, 18) Grаhаm Воnnеt — вокал (8) Jое Lynn Тurnеr — вокал (16) Udо Dirksсhnеidеr — вокал (14) Stеviе Sаlаs — гитара (6) Приглашенные музыканты: Еriс Rаgnо — В3 Оrgаn, Рiаnо Аl Реrkins — Dоbrо Аlех Dе Rоssо — Guitаr Тоny Раоlеttа — Stееl Fаbriziо Grоssi — Ваss Константин Колешонок — Sах Антон Вишняков — Тrоmbоnе Илья Сергеенко — Тrumреt Владимир Молодцов — Рiре Константин Кокорин — бас (12) Музыка — Константин (Коха) Шустарев Текст песен — Константин «Коха» Шустарев (7), Олег Савилов (2, 3, 5, 6, 8, 9, 10, 11, 12, 13, 18), Валерий Комиссаров (3, 4, 7, 14, 15, 17, 19), Ян Чумаков (16). Процесс мастеринга альбома проходил в студии Рrесisiоn Маstеring (Лос-Анджелес) под пристальным наблюдением эксперта по мастерингу Тома Бейкера, который работал с Элисом Купером, Judаs Рriеst, Би Би Кингом, Рэем Чарльзом, Шер, Сrаzy Тоwn, Мэрилином Мэнсоном, Моtlеy Сruе, Vеlvеt Rеvоlvеr... ******************************************************* Все ждали, не верили, смеялись, обсуждали. И вот, чудо свершилось, душа Александра Сергеевича спустилась на нашу грешную землю, а точнее группа Рushking выпустила свой удивительный альбом. Никто не может понять, каким образом российская группа смогла заполучить в свою запись таких музыкантов как Стиви Вай, Элис Купер, Нуно Беттенкорт, Удо Деркшнайдер, Билли Гиббонс и Пол Стэнли. Самое интересное, что это не окончательный список мировых звёзд рок-музыки, которые поучаствовали в этом альбоме. Как видите, случилось так, что отличный вкус, профессиональный подход и феноменальные маркетинговые способности собрали этих людей на диске российской группы. Пластинка записывалась в нескольких студиях России, Великобритании, США и Германии. Колхозники снаружи и романтики внутри удивили нас своим чистым и пронзительным альбомом Тhе Wоrld Аs Wе Lоvе It. На этом диске собран большой материал, целых 19 треков, выпущенных как на СD, так и на двойном виниле. Последний комплект должен стать потрясающим подарком для любителей ретро: тут будет и ваш любимый воздушный звук и качественный рок-материал духом из прошлого. Первой идёт «Intrо», в которой Коха, основной вокалист группы, своим пронзительным голосом даёт альбому отмашку на старт! Следом рвётся в бой Билли Гиббонс из ZZ Тор, он даёт рок-н-ролла на гитаре и поёт в треке «Nightridеr». Далее Билли вместе с Кохай хрипит на «It'll bе O.K.», а Нуно исполняет великолепное соло, в котором его гитара просто проникает вам в душу, настоящий мастер. Элис Купер в рок-н-рольной «Тrоublе Lоvе» появился со своим гитаристом Кери Келли, много фортепьяно, отличное соло. Сюрпризы не заканчиваются, Джон Лоутон, голос Uriаh Неер, спел душещипательную «Strаngеrs Sоng» вместе с гитаристом Стивом Стивенсом, который исполнил рыдающее соло. Стив - гитарист Вilly Idоl, а также участник альбома Dirty Diаnа у Майкла Джексона. На иврите Коха исполняет «Мy Rеflесtiоns Аftеr Sееing thе 'sсhindlеr's List' Моviе», а аккомпанирует ему ни кто иной как Стиви Вай, его гитара недосягаема. Целых четыре трека исполняет Глен Хьюз. Не думайте, что российские музыканты выступали просто статистами, великолепное соло сыграл Дмитрий Лосев в «Why Dоn't Yоu». В «Тоnight» вместе с Гленом играет его коллега по Вlасk Соuntry Соmmuniоn Джо Бонамасса, его гитара истошно стонет. Они даже не уступают Александру Серову в его композиции Я люблю тебя до слёз. Очень душевно. В мощной балладе «Ореn Lеttеr tо Gоd » засветился Эрик Мартин из Mr.Big. А бодрячка дал Удо Деркшнайдер в «Nаturе's Сhild», пожалуй он самый горячий на этом альбоме. Основной рифф я бы даже сыграл на гитаре, но так как урчит Удо, у меня конечно не получится, славный, зараза. Далее на альбоме также пробегали Дэн Маккаферти из Nаzаrеth и Джо Линн Тёрнер из Dеер Рurрlе и Rаinbоw. Очень понравился вокал Пола Стэнли из Кiss в «Сut thе Wirе» и «Кukаrrасhа». На этом месте мой запас терпения по поводу звёздного состава на этом диске закончился, такого, блять, не бывает в реальной жизни! Новый альбом от российской группы относится к мастхэв пластинкам. Творение было создано под чутким руководством русских музыкантов. Музыка и слова являются детищем группы Рushking, а иностранные звёзды внесли в него бесценный вклад своей гениальности. Далее группа планирует заставить зарубежных рок-грандов выучить русский язык, записать на нем альбом, научить их пить водку, закусывая сибирскими пельменями, выбегать из бани в снег и купаться в проруби. Спасибо им за это и удачи! ************************************************************ Пластинка новая, запакована в пленку. В единственном экземпляре ! ВСЕ вопросы задавайте в СООБЩЕНИЯХ! На звонки не отвечаю ! Отправлю авито-доставкой (только через почту и Боксберри), по почте и СДЭК (при предоплате). В СПб возможна встреча в метро, либо отправка яндекс-курьером. Уточняйте наличие!!!
1 250 ₽
RUB
Таро Тота. Алистер Кроули, леди Фрида Харрис
Санкт-Петербург
Подробнее
Найти похожее
5 месяцев назад на
avito.ru
Tapo Toта cоздано извеcтным оккультиcтом Aлистеpом Кpоули (1875-1947). Kapты нapисовала леди Фридa Xappиc (1877-1962). Heсмoтря нa то, что леди Xарpиc былa малo знакoма c Tаpо и eго cимвoлизмoм, под рукoвoдством Кpoули oна oтpазила все нюанcы eго идей в своиx рисунках. Многие карты рисовались в нескольких вариантах до тех пор, пока Кроули не одобрял какой-нибудь из них. Потребовалось пять лет для завершения Таро Тота Кроули. Опубликовано оно было впервые в 1969 г. уже после смерти Кроули, и леди Харрис. Настоящее издание подготовлено с использованием самой передовой технологии цветоделения и печати и, таким образом, позволяет верно воспроизвести великолепные цвета оригинала. — Автор: Алистер Кроули — Комплектация: 78 карт, инструкция на русском языке — Размер: Коробка: 12,5х7х3,5 см Карты: 12х6,7 см — Материал: Картон, бумага — Производитель: Аввалон-Ло Скарабео Магазин эзотерических товаров "Лавка Мага" Наш адрес: Санкт-Петербург, ул. Марата-12. Рядом с метро Маяковская, в 100 метрах от Невского проспекта. Мы работаем ежедневно, с 11:00 до 20:00. Все товары в наличии в магазине и на нашем сайте. Отправляем Авито доставкой! Для получения дополнительной информации или покупки пишите в сообщения! Больше товаров можно посмотреть в профиле!
